Para ilustrar musicalmente el argumento de los cuatro actos de Manon Lescaut, de Puccini, he elegido una vieja grabación en directo del Met, que data de 1950. Los protagonistas son Richard Tucker como Des Grieux y Dorothy Kirsten como Manon; les acompañan el Lescaut de Giuseppe Valdengo y el Geronte de Gerhard Pechner. Dirige Fausto Cleva. El sonido no es especialmente bueno, sobre todo en Sola, perduta, abbandonata, que por esa razón no he incluído en la selección)
ACTO I. Una plaza en Amiens, junto a la puerta de París. Una pequeña multitud de estudiantes, soldados y burgueses pasea por la plaza junto a una posada, mientras atardece (Ave, sera gentile). Entre ellos destaca el joven Edmondo, que aborda a toda joven que se le acerca jocosamente. Cuando entra su amigo el Caballero Des Grieux, éste se burla abiertamente de la idea del amor, "ese drama, o mejor dicho, comedia" que nunca ha conocido, refiriéndose a las muchachas que pasean por la plaza irónicamente (Tra voi belle, brune e bionde). Llega el coche de París y entre los pasajeros que bajan de él se encuentra Manon, acompañada por su hermano, Lescaut y el viejo Geronte di Ravoir. Fascinado por su belleza, Des Grieux aborda a la muchacha y le pregunta cómo se llama. Manon le cuenta que por voluntad de su padre la llevan al convento. Des Grieux le pide una cita para esa noche (Cortese damigella); Des Grieux se confiesa enamorado, nunca ha encontrado a una joven como ella (Donna non vidi mai); ante la burlas de sus compañeros, acaba marchándose. entretanto, el viejo Geronte conversa con el hermano, sumamente interesado en la joven, invitando a ambos a cenar. El rico anciano pretende seducirla y llevársela a París, sobornando al posadero para que tenga preparado un coche. Edmondo descubre el plan y avisa a Des Grieux para que huya con Manon. La joven acude a la cita nocturna (Vedete? Io son fedele alla parola mia). Des Grieux se muestra al comienzo sorprendido por la inmensa tristeza de la joven, que le comenta que antes era alegre y vivía feliz, pero que todo cambió con la perspectiva del ingreso en el convento. El estudiante le confiesa su amor y advierte a Manon del plan de Geronte. Le pide entonces que huya con él a París en el coche preparado por el anciano. Manon se resiste primero, pero acaba cediendo y ambos huyen. Cuando Geronte se presenta dispuesto a seducir a la muchacha, advierte que esta se ha esfumado junto con el coche y quiere salir en su persecución. Lescaut, que ahora se da cuenta de las intenciones de su compañero de viaje para con su hermana, lo tranquiliza asegurándole que Manon no aguantará mucho una vida de pobreza junto a un estudiante y acabará entregándose a él.
ACTO II. Un salón en casa de Geronte en París. Tal y como Lescaut había previsto, Manon ha abandonado a Des Grieux y ahora vive rodeada de riqueza en casa de Geronte. Su hermano la visita mientras termina de acicalarse (Dispesotto questo riccio!). Sin embargo, Manon echa de menos a Des Grieux y lamenta haberlo abandonado sin un adiós a cambio de aquellos lujos que la aburren (In quelle trine morbide). Lescaut le cuenta entonces que sigue frecuentando a Des Grieux, que ahora es un consumado jugador que espera un momento de racha para enriquecerse y reconquistar a Manon. Son interrumpidos por un grupo de músicos que Geronte ha contratado para que distraigan a la joven con un madrigal compuesto por él mismo (Sulla veta tu del monte). Ella, aburrida, los despide mientras Lescaut se marcha con la intención de introducir en la casa a Des Grieux. Entretanto Manon es agasajada por Geronte y algunos amigos mientras le imparten una lección de baile (Vi prego, signorina). Cuando Geronte la deja para que ella termine de prepararse para ir a la calle, aparece Des Grieux. Al comienzo le recrimina a Manon que lo abandonase fríamente, pero la muchacha lo reconquista con facilidad, diciéndole que lo ama a él (Ah... Sarò la più bella). Extrañado por la tardanza, Geronte vuelve y los sorprende abrazados. Manon se burla de él; cuando el anciano desaparece, Des Grieux trata de llevársela de inmediato, pero ante tantas riquezas la joven vacila. Des Grieux se queja amargamente y Manon, abatida, le pide perdón; pero cada momento es precioso. Lescaut aparece para avisarles de que Geronte ha denunciado a Manon como prostituta y que su destino será el exilio. La joven se entretiene recogiendo algunas joyas. Cuando quieren huir, es tarde. Las joyas caen al suelo y Manon es detenida. Lescaut impide que Des Grieux corra tras ella, porque si lo detienen, nadie podrá salvarla.
Sigue el Intermezzo, que refleja la prisión y el viaje a le Havre.
ACTO III. El puerto de Le Havre. Des Grieux y Lescaut han llegado a Le Havre siguiendo a Manon, con el plan de liberarla. Sobornando a uno de los carceleros, han logrado que la muchacha pueda ver a su amado. Pero los intentos de Lescaut por liberar a su hermana fracasan. Aconseja a Des Grieux que huya para conservar la vida. Otro tanto hace Manon, pero Des Grieux se niega a abandonarla. Mientras los oficiales comienzan a pasar lista a las condenadas, mientras una multitud curiosa (alertada por el intento de asalto de Lescaut) asiste al triste espectáculo (Silencio! L'appello cominciano già!). Manon se despide de él, pero Des Grieux saca la espada y trata de llevársela por la fuerza. Inmediatamente se da cuenta de que todo es inútil y, dejándose desarmar, apela a la piedad del capitán del barco, suplicándole que lo admita a bordo junto a Manon. Apiadado, el capitán consiente.
ACTO IV. Un páramo en los confines de Nueva Orleans. Des Grieux y Manon vagan por el desierto; han huído de Nueva Orleans después de un duelo entre Des Grieux y el hijo del gobernador (Tutta su me ti posa). Completamente agotada, sedienta, Manon no puede seguir avanzando. Des Grieux se ve obligado a dejarla durante un momento para buscar agua. Sola, Manon da rienda suelta a su desesperación (Sola, perduta, abbandonata). Des Grieux regresa sin haber encontrado ni una gota. Manon se despide de él y muere entre sus brazos diciéndole que sus culpas serán olvidadas, pero que su amor por él nunca morirá (Fra le tue braccia, amore).
lunes, 31 de mayo de 2010
domingo, 30 de mayo de 2010
MONTSERRAT CABALLE...DIVA Y DIOSA...
María de Montserrat Viviana Concepción Caballé i Folch (Barcelona, España, 12 de abril de 1933) es una cantante soprano lírica de ópera. Es reconocida por su técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio bel cantístico.[1] [2] Es una de las más admiradas cantantes de ópera de todo el mundo. Está casada con el tenor Bernabé Martí (Zaragoza, 1928) desde 1964, con el que a su vez tuvieron una hija Montserrat Martí Caballé que nació en 1972 y también se ha dedicado a la ópera como su madre, con la cual ha grabado varias canciones.
Biografía [editar]Estudia 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, a quien atribuye el desarrollo de su espectacular técnica respiratoria, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.
En 1955 pisó por primera vez un escenario cantando el papel titular de La Serva Padrona de Pergolesi, en el Teatro Fortuny de Reus.
Referencias [editar]↑ Alier, Roger (2007). Diccionario de la Ópera, Ma non troppo, Ediciones Robinbook. «Prefaciado por Montserrat Caballé»
↑ El jueves 26 de noviembre de 2009, en el programa "En noches como ésta" de la Primera de TVE, Montserrat Caballé lo desvela implícitamente (a partir del minuto 27:50 y concretamente entre 30:58 y 31:43): dice que durmió muchas veces a la intemperie en la barcelonesa Plaza de Cataluña cuando tenía "como 11 ó 12 años" y que esa época fue entre "1948 y 1952". Si hubiera nacido en 1933 tendría casi veinte
Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico fuera de España, el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.
Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.
Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Un periódico neoyorquino titularía al día siguiente: «Callas + Tebaldi = Caballé».
Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Metropolitan Opera House con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972 debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1974 graba con gran éxito una función señalada como hstorica de la ópera Norma en el théâtre antique d'Orange. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.
En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña y en 1988 el Premio Nacional de Música de España.
En 1986 interpretó un pequeño papel en Romanza final (Gayarre), película biográfica sobre Julián Gayarre dirigida por José María Forqué.
Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha interpretado papeles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992, y más tarde, colaboraría con el grupo suizo Gotthard cantando a dúo One life one soul, junto a Steve Lee, vocalista de la banda.
Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianissimi.
Aunque resulta injusto no reconocer su gran presencia escénica y su refinada sensibilidad como intérprete. La esencia del arte de Caballé (y una de sus grandes aportaciones a la gran tradición de la ópera) es interpretar dentro de la línea de canto, sin histrionismos ajenos a la partitura y que normalmente son recursos para ocultar deficiencias técnicas en cantantes menos virtuosas.
Para su Violetta (memorablemente grabada para RCA junto a Carlo Bergonzi), por ejemplo, la Caballé no necesita «ser dramática» sino simplemente cantar lo escrito por Verdi, siguiendo escrupulosamente las indicaciones de la partitura, añadiéndole su impronta personal mediante refinados toques de portamento y un medido uso de la mezzavoce y los filados, aparte de su singular y bellísimo timbre. Con ello, Caballé nos devuelve un principio fundamental de la gran tradición del Bel canto.
Además, en varias de sus interpretaciones, la Caballé consiguió verdadero fuego dramático. En la interpretación de Norma en 1978 en Madrid, derrochó una fuerza dramática que no tiene nada que envidiar a la de la mismísima María Callas.
A lo largo de su prolífica vida Montserrat Caballé ha apoyado las causas que le han parecido justas con independencia de presiones externas y sin ánimo de protagonismo. Así, por ejemplo, en julio de 2008 apoya el Manifiesto por la Lengua Común, iniciativa de un destacado grupo de intelectuales como Mario Vargas Llosa, Félix de Azúa, Albert Boadella, Alvaro Pombo, o Fernando Savater, reivindicando un papel preponderante para la lengua castellana en todo el territorio español.
Debutó oficialmente en 1956 con la representación de La flauta mágica de Mozart. Ese mismo año cantó la Mimí de La Bohème por indisposición de la titular; el éxito obtenido le supuso numerosas ofertas. En 1964 representó Madame Butterfly con Bernabé Martí, cantante con el que terminó casándose.
Su amplísimo repertorio supera las cien obras y abarca desde el barroco hasta el verismo. De gran renombre internacional, ha cantado en escenarios multitudinarios, como en el Estadio de Montjuïc de Barcelona, con motivo de la inauguración de los juegos olímpicos de 1992, donde compartió el escenario con P. Domingo, A. Kraus y J. Carreras. En 1995 apareció su biografía y en 1998 se le concedió el galardón Logros de una Vida en los Cannes Classical Awards.
Este es un listado de las óperas que constituyen el repertorio de la soprano española Montserrat Caballé.
Georg Friedrich Haendel
Giulio Cesare (Cleopatra)
Antonio Salieri
Les Danaides (Ipermestra)
Wolfgang Amadeus Mozart
Così fan tutte (Fiodeligi)
Luigi Cherubini
Medea (Medea)
Gaspare Spontini
Agnese di Hoenstaufen (Agnese)
Gioachino Rossini
Semiramide (Semiramide)
Ermione (Ermione)
Il turco in Italia (Fiorilla)
Guglielmo Tell (Matilde)
Il viaggio a Reims (Madama Cortese)
Elisabetta, regina d'Inghilterra (Elisabetta)
Vincenzo Bellini
Norma (Norma, Adalgisa)
I puritani (Elvira)
La straniera (Alaide)
Il pirata (Imogene)
Gaetano Donizetti
Roberto Devereux (Elisabetta)
Lucia di Lammermoor (Lucia)
Lucrezia Borgia (Lucrezia)
Sancia di Castiglia (Sancia)
Gemma di Vergy (Gemma)
Parisina d'Este (Parisina)
Anna Bolena (Anna)
Maria Stuarda (Maria)
La figlia del reggimento (Duchessa)
Caterina Cornaro (Caterina)
Le convenienze ed inconvenienze teatrali (Corilla)
Giuseppe Verdi
Ernani (Elvira)
Giovanna d'Arco (Giovanna)
Il corsaro (Gulnara)
Luisa Miller (Luisa)
La traviata (Violetta)
Il trovatore (Leonora)
I vespri siciliani (Elena)
Aroldo (Lina)
Un ballo in maschera (Amelia)
La forza del destino (Leonora)
Don Carlos (Elisabetta)
Aida (Aida)
Arrigo Boito
Mefistofele (Margherita, Elena)
Amilcare Ponchielli
La Gioconda (Gioconda)
Jules Massenet
Manon (Manon)
Cleopatre (Cleopatra)
Camille Saint-Saëns
Henri VIII (Caterina d'Aragona)
Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana (Santuzza)
Umberto Giordano
Andrea Chénier (Maddalena)
Giacomo Puccini
La bohème (Mimì)
Tosca (Tosca)
Turandot (Liù, Turandot)
Madama Butterfly (Cio-Cio-San)
Francesco Cilea
Adriana Lecouvreur (Adriana)
Richard Strauss
Salomé (Salomè)
Ariadne auf Naxos (Ariadne)
Arabella (Arabella)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Repertorio_de_Montserrat_Caball%C3%A9"
En 1991 recibio la distincion PRINCIPE DE ASTURIAS DE LAS ARTES
y en 1980 la MEDALLA DE ORO DEL TEATRO LICEO
En junio de 1986, la soprano española fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras Francesas por el ministro galo de Cultura.
Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. También ha interpretado canciones populares españolas, incluso ha participado en la música junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
En 1994 tras el incendio del Liceo, se originó una fuerte polémica por la prohibición de negar a cualquier mujer ser socio del Círculo del Liceo. En 2001 dos empresarias catalanas formalizaban su inscripción sin embargo otras 8 mujeres que habían hecho la solicitud fueron rechazadas incluida Montserrat Caballé después de toda una vida actuando sobre sus tablas, y habiendo sufrido tanto por el grave incendio.
Montserrat Caballé ha recibido un gran número de galardones y trofeos a lo largo de su vida, figurando entre los más importantes la Medalla del Liceo (1966), Lazo de Dama de Isabel la Católica (1966), mejor cantante del mundo en Nueva York (1968), Llave de Oro de Barcelona, Premio de la Academia del Disco Lírico de París (1970), Medalla de Oro del Teatro (1972), Medalla de Oro de la Asociación de Conciertos de Reus (1972), Premio Nacional de Teatro en España (1971), la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1973), Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña (1982) y Medalla de Oro de Madrid (1988).
En los últimos años, ha realizado numerosos proyectos, pero sobretodo se ha dedicado a varias actividades benéficas y ha creado una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona. Además, la soprano lírica es embajadora de la UNESCO,
En 2006 actuó en Valencia ante el papa Benedicto XVI junto con José María Cano. El último galardón otorgado a Montserrat Caballé fue el 2 de julio de 2008, fue investida doctora honoris causa por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander.
Biografía [editar]Estudia 12 años en el Conservatorio de Música del Liceu de Barcelona y gana la medalla de oro de 1954. Fueron sus maestros Eugenia Kemmeny, a quien atribuye el desarrollo de su espectacular técnica respiratoria, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.
En 1955 pisó por primera vez un escenario cantando el papel titular de La Serva Padrona de Pergolesi, en el Teatro Fortuny de Reus.
Referencias [editar]↑ Alier, Roger (2007). Diccionario de la Ópera, Ma non troppo, Ediciones Robinbook. «Prefaciado por Montserrat Caballé»
↑ El jueves 26 de noviembre de 2009, en el programa "En noches como ésta" de la Primera de TVE, Montserrat Caballé lo desvela implícitamente (a partir del minuto 27:50 y concretamente entre 30:58 y 31:43): dice que durmió muchas veces a la intemperie en la barcelonesa Plaza de Cataluña cuando tenía "como 11 ó 12 años" y que esa época fue entre "1948 y 1952". Si hubiera nacido en 1933 tendría casi veinte
Ingresa en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hará su debut operístico fuera de España, el 17 de noviembre de 1956, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salome de Strauss.
Es contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializa en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella. En 1964 se casa con el tenor Bernabé Martí.
Se podría decir que el primer éxito internacional de Caballé fue en 1965, cuando el 15 de abril sustituye a Marilyn Horne, que indispuesta no puede cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causa sensación y la hace famosa en el mundo de la ópera. Un periódico neoyorquino titularía al día siguiente: «Callas + Tebaldi = Caballé».
Después, ese mismo año, debuta en el Festival de Glyndebourne y en la Metropolitan Opera House con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972 debuta en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1974 graba con gran éxito una función señalada como hstorica de la ópera Norma en el théâtre antique d'Orange. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.
En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña y en 1988 el Premio Nacional de Música de España.
En 1986 interpretó un pequeño papel en Romanza final (Gayarre), película biográfica sobre Julián Gayarre dirigida por José María Forqué.
Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha interpretado papeles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas. Su incursión en la música rock la hizo junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992, y más tarde, colaboraría con el grupo suizo Gotthard cantando a dúo One life one soul, junto a Steve Lee, vocalista de la banda.
Su voz es notable por su pureza, control y potencia. Es menos admirada por sus instintos dramáticos y por su destreza interpretativa, que por su excelente técnica, matización vocal y sus exquisitos pianissimi.
Aunque resulta injusto no reconocer su gran presencia escénica y su refinada sensibilidad como intérprete. La esencia del arte de Caballé (y una de sus grandes aportaciones a la gran tradición de la ópera) es interpretar dentro de la línea de canto, sin histrionismos ajenos a la partitura y que normalmente son recursos para ocultar deficiencias técnicas en cantantes menos virtuosas.
Para su Violetta (memorablemente grabada para RCA junto a Carlo Bergonzi), por ejemplo, la Caballé no necesita «ser dramática» sino simplemente cantar lo escrito por Verdi, siguiendo escrupulosamente las indicaciones de la partitura, añadiéndole su impronta personal mediante refinados toques de portamento y un medido uso de la mezzavoce y los filados, aparte de su singular y bellísimo timbre. Con ello, Caballé nos devuelve un principio fundamental de la gran tradición del Bel canto.
Además, en varias de sus interpretaciones, la Caballé consiguió verdadero fuego dramático. En la interpretación de Norma en 1978 en Madrid, derrochó una fuerza dramática que no tiene nada que envidiar a la de la mismísima María Callas.
A lo largo de su prolífica vida Montserrat Caballé ha apoyado las causas que le han parecido justas con independencia de presiones externas y sin ánimo de protagonismo. Así, por ejemplo, en julio de 2008 apoya el Manifiesto por la Lengua Común, iniciativa de un destacado grupo de intelectuales como Mario Vargas Llosa, Félix de Azúa, Albert Boadella, Alvaro Pombo, o Fernando Savater, reivindicando un papel preponderante para la lengua castellana en todo el territorio español.
Debutó oficialmente en 1956 con la representación de La flauta mágica de Mozart. Ese mismo año cantó la Mimí de La Bohème por indisposición de la titular; el éxito obtenido le supuso numerosas ofertas. En 1964 representó Madame Butterfly con Bernabé Martí, cantante con el que terminó casándose.
Su amplísimo repertorio supera las cien obras y abarca desde el barroco hasta el verismo. De gran renombre internacional, ha cantado en escenarios multitudinarios, como en el Estadio de Montjuïc de Barcelona, con motivo de la inauguración de los juegos olímpicos de 1992, donde compartió el escenario con P. Domingo, A. Kraus y J. Carreras. En 1995 apareció su biografía y en 1998 se le concedió el galardón Logros de una Vida en los Cannes Classical Awards.
Este es un listado de las óperas que constituyen el repertorio de la soprano española Montserrat Caballé.
Georg Friedrich Haendel
Giulio Cesare (Cleopatra)
Antonio Salieri
Les Danaides (Ipermestra)
Wolfgang Amadeus Mozart
Così fan tutte (Fiodeligi)
Luigi Cherubini
Medea (Medea)
Gaspare Spontini
Agnese di Hoenstaufen (Agnese)
Gioachino Rossini
Semiramide (Semiramide)
Ermione (Ermione)
Il turco in Italia (Fiorilla)
Guglielmo Tell (Matilde)
Il viaggio a Reims (Madama Cortese)
Elisabetta, regina d'Inghilterra (Elisabetta)
Vincenzo Bellini
Norma (Norma, Adalgisa)
I puritani (Elvira)
La straniera (Alaide)
Il pirata (Imogene)
Gaetano Donizetti
Roberto Devereux (Elisabetta)
Lucia di Lammermoor (Lucia)
Lucrezia Borgia (Lucrezia)
Sancia di Castiglia (Sancia)
Gemma di Vergy (Gemma)
Parisina d'Este (Parisina)
Anna Bolena (Anna)
Maria Stuarda (Maria)
La figlia del reggimento (Duchessa)
Caterina Cornaro (Caterina)
Le convenienze ed inconvenienze teatrali (Corilla)
Giuseppe Verdi
Ernani (Elvira)
Giovanna d'Arco (Giovanna)
Il corsaro (Gulnara)
Luisa Miller (Luisa)
La traviata (Violetta)
Il trovatore (Leonora)
I vespri siciliani (Elena)
Aroldo (Lina)
Un ballo in maschera (Amelia)
La forza del destino (Leonora)
Don Carlos (Elisabetta)
Aida (Aida)
Arrigo Boito
Mefistofele (Margherita, Elena)
Amilcare Ponchielli
La Gioconda (Gioconda)
Jules Massenet
Manon (Manon)
Cleopatre (Cleopatra)
Camille Saint-Saëns
Henri VIII (Caterina d'Aragona)
Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana (Santuzza)
Umberto Giordano
Andrea Chénier (Maddalena)
Giacomo Puccini
La bohème (Mimì)
Tosca (Tosca)
Turandot (Liù, Turandot)
Madama Butterfly (Cio-Cio-San)
Francesco Cilea
Adriana Lecouvreur (Adriana)
Richard Strauss
Salomé (Salomè)
Ariadne auf Naxos (Ariadne)
Arabella (Arabella)
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Repertorio_de_Montserrat_Caball%C3%A9"
En 1991 recibio la distincion PRINCIPE DE ASTURIAS DE LAS ARTES
y en 1980 la MEDALLA DE ORO DEL TEATRO LICEO
En junio de 1986, la soprano española fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras Francesas por el ministro galo de Cultura.
Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. También ha interpretado canciones populares españolas, incluso ha participado en la música junto al cantante y compositor Freddie Mercury con Barcelona, que se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
En 1994 tras el incendio del Liceo, se originó una fuerte polémica por la prohibición de negar a cualquier mujer ser socio del Círculo del Liceo. En 2001 dos empresarias catalanas formalizaban su inscripción sin embargo otras 8 mujeres que habían hecho la solicitud fueron rechazadas incluida Montserrat Caballé después de toda una vida actuando sobre sus tablas, y habiendo sufrido tanto por el grave incendio.
Montserrat Caballé ha recibido un gran número de galardones y trofeos a lo largo de su vida, figurando entre los más importantes la Medalla del Liceo (1966), Lazo de Dama de Isabel la Católica (1966), mejor cantante del mundo en Nueva York (1968), Llave de Oro de Barcelona, Premio de la Academia del Disco Lírico de París (1970), Medalla de Oro del Teatro (1972), Medalla de Oro de la Asociación de Conciertos de Reus (1972), Premio Nacional de Teatro en España (1971), la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1973), Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña (1982) y Medalla de Oro de Madrid (1988).
En los últimos años, ha realizado numerosos proyectos, pero sobretodo se ha dedicado a varias actividades benéficas y ha creado una fundación para ayudar a los niños necesitados de Barcelona. Además, la soprano lírica es embajadora de la UNESCO,
En 2006 actuó en Valencia ante el papa Benedicto XVI junto con José María Cano. El último galardón otorgado a Montserrat Caballé fue el 2 de julio de 2008, fue investida doctora honoris causa por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander.
sábado, 29 de mayo de 2010
LA BOHEME.....COMO NO ...PUCCINI
La Bohème es la ópera con la que Giacomo Puccini se consagró definitivamente como un gran compositor lírico. Refleja sus propias vivencias durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.
El libreto se basa en la novela por entregas, Escenas de la vida bohemia de Henry Murger, publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845 - 1849). Los encargados de simplificar y aunar los diferentes episodios de la novela para así confeccionar el libreto fueron Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.
El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. El papel de Mimí fue cantado por la soprano Cesira Ferrani, y el tenor Evan Gorga dio vida a Rodolfo. La orquesta tocó bajo la dirección de Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica.
Personajes [editar]Rodolfo, poeta, amante de Mimí (tenor).
Marcello, pintor, amante de Musetta (barítono).
Schaunard, músico (barítono).
Colline, filósofo (bajo).
Mimí, modista, amante de Rodolfo (soprano).
Musetta, amante de Marcelo (soprano).
Alcindoro, viejo protector de Musetta (bajo).
Benoît, casero de los bohemios (bajo)
Acto I [editar]
Vestuario de Mimí para el Acto I del estreno mundial.En la buhardilla de los bohemios. Marcello pinta mientras Rodolfo mira por la ventana. Como no tienen combustible y hace frío, utilizan los manuscritos del drama que está escribiendo Rodolfo para hacer fuego. Colline, el filósofo, entra en la pieza congelado y molesto por no haber podido echarle la mano a unos libros. Schaunard, el músico, llega con comida, madera, vino y dinero; explica a sus compañeros la fuente de su súbita riquezas, atender el loro de un caballero inglés. Nadie le presta atención porque caen sobre la comida, que es retirada rápidamente por Schaunard, que les deja tan solo el vino. Mientras beben, llega Benoît, el casero, en busca del pago de la renta. Los bohemios le engatusan ofreciéndole vino, y, en medio del efecto del alcohol, les narra sus aventuras amorosas, añadiendo que está también casado, ante lo cual todos reaccionan con una indignación pacata, fingida, y le echan de la habitación sin pagarle la renta. Deciden que lo mejor es utilizar ese dinero para disfrutar del barrio. Rodolfo no les acompaña porque quiere trabajar. En ese momento alguien llama a la puerta, es Mimí que ha venido a pedir que le ayuden a encender nuevamente su vela. Sale, pero regresa en seguida porque ha olvidado su llave. En ese momento, ambas luces se apagan y en la oscuridad deben buscar la llave. Rodolfo la encuentra y la guarda para que la búsqueda continúe en la oscuridad. Cuando sus manos tropiezan, ambos aprovechan la ocasión para contar la historia de sus vidas: él interpreta "Che gelida manina" - ("que manita más fría") y ella, "Sì, mi chiamano Mimi" ("sí, me llaman Mimí"). Son interrumpidos por las voces de los amigos que han venido a buscar a Rodolfo, y él antes de que entren, les advierte que no está solo y que pronto se reunirá con ellos, aunque prefiere quedarse en casa, pero deciden marchar, juntos, cantando su amor (en el delicioso dúo, "O soave fanciulla" - "¡oh! suave muchacha").
Acto II [editar]En el Quartier Latin (Barrio Latino). En las calles hay una multitud que se divierte mientras los vendedores vociferan sus productos. Los amigos llegan al Café Momus, y mientras beben y comen aparece Musetta, ex de Marcello, acompañada de un admirador un poco parco, Alcindoro. Ella intenta de varias maneras llamar la atención de Marcello, y lo logra cantando una sensual aria dedicada fingidamente a su nuevo amante ("Quando m'en vò - Cuando voy"). Fingiendo un dolor en un pie, por culpa del zapato que le aprieta demasiado, hace que Alcindoro vaya a buscarle un nuevo par, ocasión que Musetta aprovecha para reunirse con su amado Marcello. Cuando los bohemios deciden pagar la cuenta para marchar, encuentran que Schaunard no tiene suficiente dinero, y siguiendo una sugerencia de Musetta, deciden cargar la cuenta a Alcindoro. Soldados desfilan en la calle, y aprovechando la confusión, Marcello y Colline llevan a Mussetta en brazos y huyen, bajo la risa cómplice de los espectadores. Cuando se han ido todos, Alcindoro llega con el par de zapatos y es sorprendido por el mesonero que le ordena pagar la cuenta.
Acto III [editar]La aduana de Enfer. Aduaneros llegan a la ciudad. Mimí, notablemente enferma, desea hablar con Marcello. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (aria: "O buon Marcello, aiuto! - ¡Oh! ¡Marcello, ayuda!"). Marcello le cuenta que Rodolfo está durmiendo en una taberna donde él también vive. Rodolfo, que acaba de despertar y busca a Marcello, entra en escena, y Mimí rápidamente se oculta. Rodolfo cuenta por qué ha dejado a Mimí, primero aduce que Mimí es demasiado coqueta con otros hombres, pero luego confiesa que ella esta muy enferma, y teme por ambos, además, lo consume el remordimiento, pues, por tener a Mimí en las precarias condiciones en las que ambos se encuentran, su enfermedad avanza progresivamente, amenazando con matarla, por este motivo, explica, el decidió finjir no amarla más para que ésta se olvide de él y se vaya a vivir con otro hombre que pueda proporcionarle un modo de vida más confortable (¡Mimí e tanto malata! - ¡Mimí está tan enferma!). Marcello, preocupado por Mimí intenta hacerle callar, pero ella ya lo ha escuchado todo y se descubre a sí misma cuando tose violentamente. Marcello les deja para volver con Musetta, y Mimí dice adiós a Rodolfo (Donde lieta usci - Adonde felíz respondí), pero ambos declaran nuevamente su amor y deciden permanecer juntos hasta que llegue la estación de las flores, la primavera. En la distancia se escucha la discusión entre Musetta y Marcello (cuarteto: "Addio dolce svegliare alla mattina!" - Adiós, dulces despertares por la mañana!).
Acto IV [editar]Nuevamente en la buhardilla. Marcello y Rodolfo trabajan, mientras lamentan la pérdida de sus respectivas amadas (dúo: "¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!" - ¡Oh Mimí! ¡No regresarás!). Schaunard y Colline entran con la cena, que consiste de algo de pan y un arenque, y los cuatro parodian un delicioso banquete, cantando y bailando(Gavota!). Musetta entra alarmada, le acompaña una Mimí muy enferma que sufre mucho; todos ayudan a la chica moribunda. Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas. En este punto, Colline y Schaunard salen para vender el abrigo del primero, el cual se despide de la prenda (Vecchia zimarra, senti - Viejo abrigo, escucha). Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (dúo: "Sono andati? - ¿se han ido?"). Regresan todos y se postran a los pies de la cama, Musetta reza una plegaria, y Mimí, inadvertidamente, muere. Poco a poco sus compañeros notan lo sucedido, hasta que finalmente, Rodolfo cae en la cuenta y grita desesperado "¡Mimí...! ¡Mimí...!".
Ha sido interpretada magistralmente por:
Licia Albanese, Ann McKnight , Jan Peerce, Franceso Valentino, NBC Symphony, Arturo Toscanini
Victoria de los Ángeles, Lucine Amara, Jussi Björling, Robert Merrill, RCA Victor Orchestra, Thomas Beecham
Maria Callas, Anna Moffo, Giuseppe Di Stefano, Rolando Panerai , La Scala, Antonino Votto
Renata Tebaldi, Gianna d’Angelo, Carlo Bergonzi, Ettore Bastianini, Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Tullio Serafin
Anna Moffo, Mary Costa, Richard Tucker, Robert Merrill, Opera di Roma, Erich Leinsdorf
Renata Scotto, Jolanda Meneguzzer, Gianni Poggi, Tito Gobbi, Maggio Musicale Fiorentino, Antonio Votto
Mirella Freni, Elisabeth Harwood, Luciano Pavarotti, Rolando Panerai, Berliner Philharmoniker, Herbert von Karajan
Mirella Freni, Mariella Adani, Nicolai Gedda, Mario Sereni, Opera di Roma, Thomas Schippers
Montserrat Caballé, Judith Blegen, Plácido Domingo, Sherrill Milnes, London Philharmonic, Georg Solti
Angelina Réaux, Barbara Daniels, Jerry Hadley, Thomas Hampson , Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Leonard Bernstein
Katia Ricciarelli, Ashley Putnam, José Carreras, Ingvar Wisell, Covent Garden, Colin Davis
Renata Scotto, Carol Neblett, Alfredo Kraus, Sherrill Milnes, National Philharmonic, James Levine
Angela Gheorghiu, Elisabetta Scano, Roberto Alagna, Simon Keenlyside, La Scala, Riccardo Chailly
Barbara Hendricks, Angela Maria Blasi, José Carreras, Gino Quilico , Orchestre de la Radio Télévision Française, James Conlon
Barbara Frittoli, Eva Mei, Andrea Bocelli, Paolo Gavanelli, Israel Philharmonic Orchestra, Zubin Mehta
Leontina Vaduva, Ruth Ann Swenson, Roberto Alagna, Thomas Hampson, Philharmonia Orchestra, Antonio Pappano
Anna Netrebko, Nicole Cabell, Rolando Villazón, Boaz Daniel, Bavarian Radio Symph., Bertrand de Billy
FILM
Barbara Hendricks, Angela Maria Blasi, José Carreras, Gino Quilico, Orchestre de la Radio Télévision Française, James Conlon
Adaptaciones [editar]El musical de Broadway Rent de Jonathan Larson
La película Moulin Rouge de Baz Luhrmann
La película Boheemielämää (La vie de bohème) de Aki Kaurismaki
Adaptaciones [editar]El musical de Broadway Rent de Jonathan Larson
La película Moulin Rouge de Baz Luhrmann
La película Boheemielämää (La vie de bohème) de Aki Kaurismaki
El libreto se basa en la novela por entregas, Escenas de la vida bohemia de Henry Murger, publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845 - 1849). Los encargados de simplificar y aunar los diferentes episodios de la novela para así confeccionar el libreto fueron Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.
El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. El papel de Mimí fue cantado por la soprano Cesira Ferrani, y el tenor Evan Gorga dio vida a Rodolfo. La orquesta tocó bajo la dirección de Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica.
Personajes [editar]Rodolfo, poeta, amante de Mimí (tenor).
Marcello, pintor, amante de Musetta (barítono).
Schaunard, músico (barítono).
Colline, filósofo (bajo).
Mimí, modista, amante de Rodolfo (soprano).
Musetta, amante de Marcelo (soprano).
Alcindoro, viejo protector de Musetta (bajo).
Benoît, casero de los bohemios (bajo)
Acto I [editar]
Vestuario de Mimí para el Acto I del estreno mundial.En la buhardilla de los bohemios. Marcello pinta mientras Rodolfo mira por la ventana. Como no tienen combustible y hace frío, utilizan los manuscritos del drama que está escribiendo Rodolfo para hacer fuego. Colline, el filósofo, entra en la pieza congelado y molesto por no haber podido echarle la mano a unos libros. Schaunard, el músico, llega con comida, madera, vino y dinero; explica a sus compañeros la fuente de su súbita riquezas, atender el loro de un caballero inglés. Nadie le presta atención porque caen sobre la comida, que es retirada rápidamente por Schaunard, que les deja tan solo el vino. Mientras beben, llega Benoît, el casero, en busca del pago de la renta. Los bohemios le engatusan ofreciéndole vino, y, en medio del efecto del alcohol, les narra sus aventuras amorosas, añadiendo que está también casado, ante lo cual todos reaccionan con una indignación pacata, fingida, y le echan de la habitación sin pagarle la renta. Deciden que lo mejor es utilizar ese dinero para disfrutar del barrio. Rodolfo no les acompaña porque quiere trabajar. En ese momento alguien llama a la puerta, es Mimí que ha venido a pedir que le ayuden a encender nuevamente su vela. Sale, pero regresa en seguida porque ha olvidado su llave. En ese momento, ambas luces se apagan y en la oscuridad deben buscar la llave. Rodolfo la encuentra y la guarda para que la búsqueda continúe en la oscuridad. Cuando sus manos tropiezan, ambos aprovechan la ocasión para contar la historia de sus vidas: él interpreta "Che gelida manina" - ("que manita más fría") y ella, "Sì, mi chiamano Mimi" ("sí, me llaman Mimí"). Son interrumpidos por las voces de los amigos que han venido a buscar a Rodolfo, y él antes de que entren, les advierte que no está solo y que pronto se reunirá con ellos, aunque prefiere quedarse en casa, pero deciden marchar, juntos, cantando su amor (en el delicioso dúo, "O soave fanciulla" - "¡oh! suave muchacha").
Acto II [editar]En el Quartier Latin (Barrio Latino). En las calles hay una multitud que se divierte mientras los vendedores vociferan sus productos. Los amigos llegan al Café Momus, y mientras beben y comen aparece Musetta, ex de Marcello, acompañada de un admirador un poco parco, Alcindoro. Ella intenta de varias maneras llamar la atención de Marcello, y lo logra cantando una sensual aria dedicada fingidamente a su nuevo amante ("Quando m'en vò - Cuando voy"). Fingiendo un dolor en un pie, por culpa del zapato que le aprieta demasiado, hace que Alcindoro vaya a buscarle un nuevo par, ocasión que Musetta aprovecha para reunirse con su amado Marcello. Cuando los bohemios deciden pagar la cuenta para marchar, encuentran que Schaunard no tiene suficiente dinero, y siguiendo una sugerencia de Musetta, deciden cargar la cuenta a Alcindoro. Soldados desfilan en la calle, y aprovechando la confusión, Marcello y Colline llevan a Mussetta en brazos y huyen, bajo la risa cómplice de los espectadores. Cuando se han ido todos, Alcindoro llega con el par de zapatos y es sorprendido por el mesonero que le ordena pagar la cuenta.
Acto III [editar]La aduana de Enfer. Aduaneros llegan a la ciudad. Mimí, notablemente enferma, desea hablar con Marcello. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (aria: "O buon Marcello, aiuto! - ¡Oh! ¡Marcello, ayuda!"). Marcello le cuenta que Rodolfo está durmiendo en una taberna donde él también vive. Rodolfo, que acaba de despertar y busca a Marcello, entra en escena, y Mimí rápidamente se oculta. Rodolfo cuenta por qué ha dejado a Mimí, primero aduce que Mimí es demasiado coqueta con otros hombres, pero luego confiesa que ella esta muy enferma, y teme por ambos, además, lo consume el remordimiento, pues, por tener a Mimí en las precarias condiciones en las que ambos se encuentran, su enfermedad avanza progresivamente, amenazando con matarla, por este motivo, explica, el decidió finjir no amarla más para que ésta se olvide de él y se vaya a vivir con otro hombre que pueda proporcionarle un modo de vida más confortable (¡Mimí e tanto malata! - ¡Mimí está tan enferma!). Marcello, preocupado por Mimí intenta hacerle callar, pero ella ya lo ha escuchado todo y se descubre a sí misma cuando tose violentamente. Marcello les deja para volver con Musetta, y Mimí dice adiós a Rodolfo (Donde lieta usci - Adonde felíz respondí), pero ambos declaran nuevamente su amor y deciden permanecer juntos hasta que llegue la estación de las flores, la primavera. En la distancia se escucha la discusión entre Musetta y Marcello (cuarteto: "Addio dolce svegliare alla mattina!" - Adiós, dulces despertares por la mañana!).
Acto IV [editar]Nuevamente en la buhardilla. Marcello y Rodolfo trabajan, mientras lamentan la pérdida de sus respectivas amadas (dúo: "¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!" - ¡Oh Mimí! ¡No regresarás!). Schaunard y Colline entran con la cena, que consiste de algo de pan y un arenque, y los cuatro parodian un delicioso banquete, cantando y bailando(Gavota!). Musetta entra alarmada, le acompaña una Mimí muy enferma que sufre mucho; todos ayudan a la chica moribunda. Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas. En este punto, Colline y Schaunard salen para vender el abrigo del primero, el cual se despide de la prenda (Vecchia zimarra, senti - Viejo abrigo, escucha). Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (dúo: "Sono andati? - ¿se han ido?"). Regresan todos y se postran a los pies de la cama, Musetta reza una plegaria, y Mimí, inadvertidamente, muere. Poco a poco sus compañeros notan lo sucedido, hasta que finalmente, Rodolfo cae en la cuenta y grita desesperado "¡Mimí...! ¡Mimí...!".
Ha sido interpretada magistralmente por:
Licia Albanese, Ann McKnight , Jan Peerce, Franceso Valentino, NBC Symphony, Arturo Toscanini
Victoria de los Ángeles, Lucine Amara, Jussi Björling, Robert Merrill, RCA Victor Orchestra, Thomas Beecham
Maria Callas, Anna Moffo, Giuseppe Di Stefano, Rolando Panerai , La Scala, Antonino Votto
Renata Tebaldi, Gianna d’Angelo, Carlo Bergonzi, Ettore Bastianini, Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Tullio Serafin
Anna Moffo, Mary Costa, Richard Tucker, Robert Merrill, Opera di Roma, Erich Leinsdorf
Renata Scotto, Jolanda Meneguzzer, Gianni Poggi, Tito Gobbi, Maggio Musicale Fiorentino, Antonio Votto
Mirella Freni, Elisabeth Harwood, Luciano Pavarotti, Rolando Panerai, Berliner Philharmoniker, Herbert von Karajan
Mirella Freni, Mariella Adani, Nicolai Gedda, Mario Sereni, Opera di Roma, Thomas Schippers
Montserrat Caballé, Judith Blegen, Plácido Domingo, Sherrill Milnes, London Philharmonic, Georg Solti
Angelina Réaux, Barbara Daniels, Jerry Hadley, Thomas Hampson , Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia, Leonard Bernstein
Katia Ricciarelli, Ashley Putnam, José Carreras, Ingvar Wisell, Covent Garden, Colin Davis
Renata Scotto, Carol Neblett, Alfredo Kraus, Sherrill Milnes, National Philharmonic, James Levine
Angela Gheorghiu, Elisabetta Scano, Roberto Alagna, Simon Keenlyside, La Scala, Riccardo Chailly
Barbara Hendricks, Angela Maria Blasi, José Carreras, Gino Quilico , Orchestre de la Radio Télévision Française, James Conlon
Barbara Frittoli, Eva Mei, Andrea Bocelli, Paolo Gavanelli, Israel Philharmonic Orchestra, Zubin Mehta
Leontina Vaduva, Ruth Ann Swenson, Roberto Alagna, Thomas Hampson, Philharmonia Orchestra, Antonio Pappano
Anna Netrebko, Nicole Cabell, Rolando Villazón, Boaz Daniel, Bavarian Radio Symph., Bertrand de Billy
FILM
Barbara Hendricks, Angela Maria Blasi, José Carreras, Gino Quilico, Orchestre de la Radio Télévision Française, James Conlon
Adaptaciones [editar]El musical de Broadway Rent de Jonathan Larson
La película Moulin Rouge de Baz Luhrmann
La película Boheemielämää (La vie de bohème) de Aki Kaurismaki
Adaptaciones [editar]El musical de Broadway Rent de Jonathan Larson
La película Moulin Rouge de Baz Luhrmann
La película Boheemielämää (La vie de bohème) de Aki Kaurismaki
viernes, 28 de mayo de 2010
JOSEP MARIA CARRERAS I COLL
Josep Maria Carreras i Coll, (Barcelona, 5 de diciembre de 1946), más conocido internacionalmente como José Carreras, es un tenor español, famoso por sus interpretaciones en obras de Verdi y de Puccini. Aunque ya era un muy famoso intérprete, se hizo aún más popular entre el público general gracias a su participación en "Los Tres Tenores" junto a Luciano Pavarotti y Plácido Domingo. Carreras también es conocido por su labor humanitaria a través de su fundación de lucha contra la leucemia "Fundació Internacional Josep Carreras per a la Lluita contra la Leucèmia", que creó después de recuperarse en 1988 de esa enfermedad.
Biografía [editar]Carreras demostró sus aptitudes musicales desde niño. A la edad de ocho años realizó su primera actuación en público al cantar La donna è mobile en la radio española. A los once años apareció por primera vez en el Liceu barcelonés como un joven soprano en el papel de narrador de la ópera de Manuel de Falla El retablo de Maese Pedro y en un pequeño papel en el segundo acto de La Bohème.
Durante su adolescencia, Carreras estudio en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Debutó en 1970 en Barcelona como Ismael en Nabucco y en la ópera Norma, llamando la atención de la soprano Montserrat Caballé que protagonizaba la obra. Caballé le invitó a cantar en la producción Lucrezia Borgia, el primer gran éxito de Carreras. Volvió a cantar con Caballé en 1971 interpretando Maria Stuarda en Londres. Los dos cantantes han coincidido en diversas obras con posterioridad.
En 1972 debutó en los Estados Unidos en el papel de Pinkerton de Madame Butterfly. En 1973 debutó en Londres, y en 1974 en Viena interpretando La Traviata. A los 28 años, Carreras había cantado ya 24 óperas diferentes. En 1978 interpretó Don Carlo en el Festival de Salzburgo, bajo la dirección de Karajan.
En 1984 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
En 1986 debuta como actor interpretando al tenor Julián Gayarre en la película Romanza final (Gayarre) dirigido por José María Forqué
En 1987, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera, le fue diagnosticada una Leucemia y los médicos le dieron pocas posibilidades de sobrevivir. Tras duros tratamientos que incluyeron radioterapia y quimioterapia y un autotrasplante de médula, Carreras pudo reanudar su trayectoria artística. En 1988 fundó la Fundación Josep Carreras contra la leucemia, una organización que apoya económicamente la investigación contra la leucemia y que mantiene un banco de donantes de médula ósea.
En 1990, José Carreras debuta internacionalmente en el Concierto de Los Tres Tenores, realizado en las Termas de Caracalla, junto con Placido Domingo y Luciano Pavarotti. En 1991 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
El 13 de septiembre de 2002 inauguró en San Juan de Alicante una plaza en homenaje a la labor realizada en la lucha contra la leucemia.
El 22 de septiembre de 2006 inauguró en Fuenlabrada un Teatro que lleva su nombre.
El 17 de junio de 2008 celebra un acto en el Teatre del Liceu de Barcelona con motivo de sus cincuenta años desde su debút en este mismo escenario lírico.
Discografía [editar]Ha grabado principalmente para Philips Classics diversas óperas: L'elisir d'amore, Lucia di Lammermoor, La Juive, Tosca, La Bohème, Samson et Dalila, Un ballo in maschera, La battaglia di Legnano, Il corsaro, Un giorno di regno, Stiffelio e Il trovatore.
Igualmente, grabó un disco de canciones napolitanas, con la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Muller y otro de canciones españolas, con Martin Katz al piano.
En total, existen más de 120 grabaciones oficiales incluyendo óperas completas. Además de canciones populares, clásicos del cine, canciones de navidad, música ligera, sacra, musicales de Lloyd Webber, tango, Misas, oratorios. En dichos discos, lo podremos escuchar en español, catalán, inglés, italiano, alemán, francés, chino, japonés, coreano, portugués, etc.
Biografía [editar]Carreras demostró sus aptitudes musicales desde niño. A la edad de ocho años realizó su primera actuación en público al cantar La donna è mobile en la radio española. A los once años apareció por primera vez en el Liceu barcelonés como un joven soprano en el papel de narrador de la ópera de Manuel de Falla El retablo de Maese Pedro y en un pequeño papel en el segundo acto de La Bohème.
Durante su adolescencia, Carreras estudio en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Debutó en 1970 en Barcelona como Ismael en Nabucco y en la ópera Norma, llamando la atención de la soprano Montserrat Caballé que protagonizaba la obra. Caballé le invitó a cantar en la producción Lucrezia Borgia, el primer gran éxito de Carreras. Volvió a cantar con Caballé en 1971 interpretando Maria Stuarda en Londres. Los dos cantantes han coincidido en diversas obras con posterioridad.
En 1972 debutó en los Estados Unidos en el papel de Pinkerton de Madame Butterfly. En 1973 debutó en Londres, y en 1974 en Viena interpretando La Traviata. A los 28 años, Carreras había cantado ya 24 óperas diferentes. En 1978 interpretó Don Carlo en el Festival de Salzburgo, bajo la dirección de Karajan.
En 1984 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.
En 1986 debuta como actor interpretando al tenor Julián Gayarre en la película Romanza final (Gayarre) dirigido por José María Forqué
En 1987, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera, le fue diagnosticada una Leucemia y los médicos le dieron pocas posibilidades de sobrevivir. Tras duros tratamientos que incluyeron radioterapia y quimioterapia y un autotrasplante de médula, Carreras pudo reanudar su trayectoria artística. En 1988 fundó la Fundación Josep Carreras contra la leucemia, una organización que apoya económicamente la investigación contra la leucemia y que mantiene un banco de donantes de médula ósea.
En 1990, José Carreras debuta internacionalmente en el Concierto de Los Tres Tenores, realizado en las Termas de Caracalla, junto con Placido Domingo y Luciano Pavarotti. En 1991 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
El 13 de septiembre de 2002 inauguró en San Juan de Alicante una plaza en homenaje a la labor realizada en la lucha contra la leucemia.
El 22 de septiembre de 2006 inauguró en Fuenlabrada un Teatro que lleva su nombre.
El 17 de junio de 2008 celebra un acto en el Teatre del Liceu de Barcelona con motivo de sus cincuenta años desde su debút en este mismo escenario lírico.
Discografía [editar]Ha grabado principalmente para Philips Classics diversas óperas: L'elisir d'amore, Lucia di Lammermoor, La Juive, Tosca, La Bohème, Samson et Dalila, Un ballo in maschera, La battaglia di Legnano, Il corsaro, Un giorno di regno, Stiffelio e Il trovatore.
Igualmente, grabó un disco de canciones napolitanas, con la Orquesta de Cámara Inglesa, dirigida por Muller y otro de canciones españolas, con Martin Katz al piano.
En total, existen más de 120 grabaciones oficiales incluyendo óperas completas. Además de canciones populares, clásicos del cine, canciones de navidad, música ligera, sacra, musicales de Lloyd Webber, tango, Misas, oratorios. En dichos discos, lo podremos escuchar en español, catalán, inglés, italiano, alemán, francés, chino, japonés, coreano, portugués, etc.
jueves, 27 de mayo de 2010
MARIA CALLAS.....DIOSA O HUMANA?
Anna María Kaikilía Sofía Kalogeropoúlou (en griego Άννα Μαρία Καικιλία Σοφία Καλογεροπούλου) (Nueva York, 2 de diciembre de 1923 - París, 16 de septiembre de 1977), conocida como Maria Callas, fue una soprano estadounidense de origen griego considerada la cantante de ópera más eminente de la segunda mitad del siglo XX. Capaz de revivir el Bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada (como antes la célebre Claudia Muzio) «La Divina».
Combinaba una formidable técnica del bel canto que daba flexibilidad a su caudalosa voz, que se sumaba a un timbre personal y un gran talento dramático, cualidades que le hicieron la más famosa actriz-cantante de su época. Extraordinariamente versátil, su repertorio se integraba con la ópera seria clásica, como La Vestale de Gaspare Spontini, Alceste de Gluck y Medea de Cherubini hasta las óperas de Giuseppe Verdi, o Giacomo Puccini e incluso Richard Wagner y las óperas del verismo.
Sus estudios del bel canto con la soprano de coloratura española Elvira de Hidalgo le permitieron abordar papeles muy disímiles y resucitar la tradición del bel canto romántico italiano en la verdadera acepción del término y a través de la exhumación de óperas olvidadas como Anna Bolena de Donizetti.
Desafortunadamente este esfuerzo, sumado a la súbita pérdida de peso, aceleró el deterioro de su voz y le acarreó múltiples críticas además de acortar su longevidad vocal. El fenómeno Callas duró apenas algo más de una década pero su irrupción en el mundo de la lírica dejó una marca imborrable y visionaria.
En la definición del musicólogo Kurt Pahlen «…su canto asemeja una herida abierta, que sangra entregando sus fuerzas vitales…como si ella fuese la memoria del dolor del mundo…»
María conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona quien la contrató para cantar La Gioconda de Ponchielli en ese anfiteatro. Viajó entonces a Italia en compañía de la esposa de Bagarozy, Louise, y allí conoció a su primer esposo: un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini (Verona, 1896 – Desenzano del Garda, 1981), 30 años mayor que ella y decisivo en la gestión de la incipiente carrera de la soprano.
Su debut italiano en la Arena de Verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Su trabajo en la ópera de Ponchielli fue un éxito pero no se reflejó inmediatamente en nuevos contratos. Así, Callas se encontró nuevamente sin empleo, pero gracias al apoyo brindado por Meneghini logró continuar con sus estudios privados de canto, haciendo luego una audición para Serafin en el difícil papel protagonista de Tristan e Isolda de Richard Wagner, que se iba a presentar en el teatro La Fenice de Venecia en la siguiente temporada. Logró el papel y debutó en el teatro veneciano obteniendo un clamoroso éxito que le permitió cantar Turandot de Puccini y Brünnhilde en Die Walküre (La valquiria), en las temporadas de 1948-1949.
En 1949 se casa con Meneghini y cambia su nombre a Maria Meneghini Callas.
Ese año, durante el receso estival europeo, el 20 de mayo de 1949 hace su debut americano en el Teatro Colón de Buenos Aires como Turandot, Aída (sólo una función reemplazando a Delia Rigal) y Norma dirigidas por Tullio Serafin secundada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni.
En Venecia se iba a representar la ópera I Puritani de Vincenzo Bellini (el llamado «Chopin de la ópera») con Margherita Carosio en el papel de Elvira. Una tarde María se había cansado de cantar Brünnhilde y comenzó a leer la música del personaje de Elvira. Cuando la esposa de Serafin la escuchó, se lo dijo a éste y pidió a María que lo cantase. Además la Carosio estaba enferma y era necesario sustituirla. La mañana siguiente María cantó para el Director Musical del teatro, quien decidió que ella sería la mejor elección como Elvira. Se le dio una semana para aprender la ópera entera, una semana que además incluía tres representaciones de Die Walküre. Después de la primera representación de I Puritani el 19 de enero de 1949, María Callas se convirtió en «la voz de Italia».
Después de su Elvira en Venecia, María se convirtió en una celebridad en Italia, pero todavía no se le había ofrecido un papel en el teatro más importante del país: La Scala de Milán. Finalmente se le ofreció un papel en la Aida de Giuseppe Verdi que Renata Tebaldi no podía realizar. Maria y Meneghini esperaban un gran éxito, pero cuando comenzaron las representaciones de Aída el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría, situación que la Callas notó al concluir el segundo acto, y en un arrebato de cólera dejó la obra inconclusa. Para la segunda presentación el 7 de diciembre de 1950, La Scala se rindió a María Callas, un éxito que dio origen a su seudónimo «La Divina». La temporada del 1950-1951 inició con I vespri siciliani, de Giuseppe Verdi, siendo una de las actuaciones más aclamadas y recordadas de la soprano.
El 23 de mayo de 1950 debuta en el Palacio de Bellas Artes (Ciudad de México), cantando Norma, y es en ese mismo escenario donde intercala un célebre Mi bemol al final del segundo acto de Aida conocido como "El agudo de México"[2] y en donde cantaría las dos únicas funciones de Rigoletto a lo largo de su vida.
En julio de 1952 Callas firmó un contrato de grabación exclusiva con Walter Legge, productor musical de EMI. Pocos días después Legge y su mujer, la famosa soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf, fueron a verla en La Traviata en la Arena de Verona. Tras la representación, la Schwarzkopf ofreció uno de los tributos más conmovedores: viéndose superada por María, no cantaría nunca más La Traviata. Cuando se le pidió una explicación la Schwarzkopf respondió: «¿Cuál sería el sentido de hacerlo si otra artista lo puede hacer perfecto?».
Mujer alta y muy corpulenta, en esa época decidió bajar de peso para "hacer justicia a Medea", papel que interpretaría en La Scala dirigida por Leonard Bernstein en producción de Margarita Wallmann.
Entre 1953-54 bajó más de 36 kilogramo (80 libras. Cuando reapareció como la tísica Violetta en la puesta en escena de Luchino Visconti de La Traviata en un primer momento ni el director orquestal Carlo Maria Giulini la reconoció. Era "otra mujer" y Visconti había hallado la cantante-actriz ideal para sus cinematográficas escenificaciones. Visconti la convertirá en ideal Violetta y luego Ifigenia, Elisabetta, Anna Bolena y Amina en La sonnambula de Bellini.
En 1954 hace su debut en Estados Unidos en la Lyric Opera of Chicago como Lucia di Lammermoor.
En 1955, probablemente su mejor año escalígero, canta una Norma que adquirirá estatus legendario junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco dirigida por Antonino Votto y en Berlín junto a Herbert von Karajan canta una Lucia di Lammermoor histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlin. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto.[3]
El 17 de noviembre de 1955, al término de la presentación de Madame Butterfly en el Lyric Opera de Chicago, María Callas celebraba su triunfo. La audiencia continuaba aplaudiendo cuando se acercó el oficial de justicia Stanley Pringle, que le presentó un requerimiento judicial por haber sido demandada por su anterior representante: Eddie Bagarozy, quien esgrimía un contrato de 1947 que le designaba como único representante. Aunque no habían tenido contacto durante muchos años, Bagarozy reclamó que él tenía un porcentaje de los honorarios de Callas y que con los gastos pagados por él sumaban 300.000 dólares. El caso fue dirimido en el juzgado el 7 de noviembre de 1957 según unos términos que no se hicieron públicos.
Finalmente María hizo su debut en el Metropolitan Opera House el 28 de octubre de 1956 como Norma de Vincenzo Bellini.
En 1957 tienen lugar la histórica exhumación de Anna Bolena de Donizetti en La Scala dirigida por Luchino Visconti junto a Giulietta Simionato y las igualmente históricas de La sonnambula de Bellini que el realizador trata como un cuento pastoral donde Maria equipara física y vocalmente a la soprano del siglo XIX Fanny Persiani.
Durante la gira de la compañía primero a Colonia y luego al Festival de Edimburgo, ante el éxito de las representaciones de La sonnambula se agrega una quinta función a las cuatro programadas.[4] Maria con toda razón aduce no estar contratada y deja Edimburgo por Venecia donde la espera una fiesta de su amiga Elsa Maxwell donde - según Maxwell - la columnista le presentó al magnate Aristóteles Onassis.[5] Se sucede otro escándalo y la entonces desconocida Renata Scotto de 23 años en dos días aprende la parte para consagrarse internacionalmente.[6] [7]
Un año legendario: 1958 [editar]
La villa en Sirmione donde vivió con su marido Meneghini.La siguiente vez que María provocó titulares por un escándalo fue por una representación de Norma en la ópera de Roma el 2 de enero de 1958 en honor del Presidente de Italia, Giovanni Gronchi, y su esposa.
Desgraciadamente María contrajo un resfriado y se informó al teatro de que se le debía substituir, pero La Scala se negaba a sustituirla. María, contra las órdenes de los médicos, salió a escena pero tuvo claro desde la primera nota que su voz estaba en mala condición. Al final del primer acto, media audiencia no se mostraba satisfecha. María huyó rápidamente por una puerta trasera, y anunció que lo había hecho porque no estaba a la altura del público milanés. Al avisar al teatro de su situación vocal, el teatro había respondido: «Nessuno può sostituire la Callas» («Nadie puede sustituir a la Callas»), lo que enfureció al público milanés. El público estaba rabioso pero María fue excusada cuando recibió la llamada de la Señora Gronchi, quien le aseguró que ni ella ni su marido se habían ofendido.
Tres meses después, María cantaría junto al joven tenor canario Alfredo Kraus en Lisboa una de las representaciones más aclamadas de La Traviata de Verdi. Esta función dirigida por Franco Ghione el 27 de marzo de 1958 es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de esta ópera. Se han descubierto fragmentos filmados de esas funciones[8]
Ese mismo año su arte llegó a distintos lugares del mundo: Chicago, Berlín, Viena, Filadelfia, Washington, Dallas, Colonia, Edimburgo. A mediados de dicho año, María Callas representa en el Covent Garden de Londres La Traviata con Cesare Valetti.
Cerró este especial año con un recital en directo celebrando su debut en la Ópera Garnier de París, el 19 de diciembre, que fue transmitido a más de una docena de países en Europa[9] y que inició su relación entrañable con la ciudad donde terminaría sus días.
Hacia fines de 1958 Rudolf Bing - director del Metropolitan Opera donde ella habia debutado en 1956 - quiere contratarla para La traviata y Macbeth, dos óperas muy diferentes para las cuales no llegaron a un acuerdo.[10] [11] La noche del debut de Callas en Medea en Dallas, le envió un telegrama terminando su contrato. Callas enfurecida convoca a la prensa y canta una legendaria Medea junto a Jon Vickers y la joven Teresa Berganza.[12] [13] Posteriormente Bing dirá que Callas fue la artista mas dificil de tratar, que era tan inteligente que siempre ganaba.[14] [15] La cancelación de Macbeth catapulto al estrellato a quien la reemplazó, la austríaca Leonie Rysanek. Pese a todo, Bing y Callas se reconciliaron en la década del 60 y Callas retornó al Met en 1965 por dos funciones de Tosca, funciones que junto a las de Covent Garden serían sus últimas en un escenario de ópera.
Relación con Onassis y declive vocal [editar]
Últimas actuaciones en 1973, Ámsterdam.El 3 de noviembre de 1959, María Callas dejó a su marido Giovanni Meneghini por el magnate naviero griego Aristóteles Onassis, un idilio que la prensa de la época difundió exhaustivamente. Esta tortuosa relación sentimental se convertiría en una «tragedia griega».
La soprano se retiró durante un breve tiempo mientras duraba su relación con Onassis, y a su regreso (por falta de práctica y excesiva vida social) a nadie se le escapó que su voz había perdido fuerza y evidenciaba los signos de decadencia que ya se habían advertido años antes.
Por aquel tiempo (1961) Maria representaba Medea en Epidauro y en La Scala. No tenía buena voz y el 11 de septiembre de 1961, durante el primer acto en el dueto con Jasón (personaje interpretado por Jon Vickers), la audiencia comenzó a pitar. María ignoró el alboroto hasta que llegó la escena donde ella denuncia a Jasón con la palabra «Crudel!» («¡Cruel!»). Después del primer «Crudel!» paró de cantar; miró al público y le dirigió su segundo «Crudel!»; hizo una pausa y comenzó otra vez con las palabras: «Ho dato tutto a te» («Te lo he dado todo») haciendo un gesto como si amenazara con el puño a la galería; la audiencia paró de silbar, y María recibió una ovación clamorosa al final.
En mayo de 1965 la voz de Callas volvió a ser objeto de disputas. Estaba representando Norma en la Ópera de París[16] con Fiorenza Cossotto como Adalgisa. Cossotto sabía que María estaba extenuada, por lo que decidió derrotarla en escena. La noche de la última representación de Norma, el 29 de mayo, María estaba más débil y Cossotto se ensañó con ella e hizo del gran dueto un duelo entre ambas. Al final, cuando el telón cayó, María se hundió y fue llevada inconsciente a su camerino.
En 1965 la Callas realizó su última representación de ópera con Tosca en el Covent Garden londinense junto a su compañero de escena clásico el baritono Tito Gobbi.[17] Tenía 41 años.
En 1966 renuncia a la ciudadanía estadounidense y toma la nacionalidad griega. De esta manera técnicamente anula su matrimonio con Meneghini. Tenía la esperanza de que Onassis, a quien en verdad amaba, le propusiese matrimonio, pero Onassis nunca la complació bajo diversos pretextos.
El 20 de octubre de 1968 Onassis abandonó abruptamente a Callas para casarse con Jacqueline Kennedy, la viuda del presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy, asesinado en Dallas. Callas, herida en lo más profundo de su orgullo, nunca pudo superar el mal trance por el abandono de Onassis y jamás se lo perdonó.
En junio de 1969, María empezó a trabajar en el film Medea,[18] no inspirado en la ópera de Cherubini ni la tragedia de Eurípides, sino en el mito de Medea según la visión primitiva y barbárica[19] de Pier Paolo Pasolini.[20] Es un papel hablado donde no canta. Filmada en Turquía y en Pisa, trabajaba duramente, tan duro que un día se desmayó después de correr en una escena bajo el intenso sol. Este film tuvo fría recepción y fue considerado un "succes d'estime" en vista de los dos grandes personajes que se habían aliado. No obstante, con el tiempo pasó a la historia como uno de los mejores de Pasolini y contó con difusión a nivel internacional.[21]
El 25 de mayo de 1970 tuvo que acudir corriendo al hospital y se anunció que había querido suicidarse con una sobredosis de barbitúricos. Por aquel tiempo tomaba más somníferos para dormir, y más barbitúricos para encontrar paz.
En 1971-72 intenta dedicarse a la dirección escénica con una puesta de Las vísperas sicilianas que no alcanzó éxito y luego impartiría una serie de hoy legendarias clases magistrales[22] en la Juilliard School de Nueva York que inspirarían el drama teatral Master Class del dramaturgo Terence McNally y mostrarían el precario estado de su voz.
Se había instalado definitivamente en París en la más completa soledad hasta su muerte a los 53 años en su apartamento de la Avenue Georges Mandel 36 (y Rue des Sablons) cerca del Arco de Triunfo (hoy esa sección lleva el nombre "Allée Maria Callas").
Esta etapa sería recreada en la película Callas Forever, dirigida por su amigo Franco Zeffirelli.
Últimas actuaciones, retiro y muerte [editar]María Callas volvió a los escenarios en 1973 con Giuseppe di Stefano. Por primera vez en ocho años volvía a cantar en público. A principios de enero de 1973, Alexander, el hijo favorito de Aristóteles, fallece en un accidente. Además el matrimonio de Onassis con Jackie iba de mal en peor. Él intentó reconquistar a Callas a pesar de estar todavía casado con Jackie Kennedy, pero ella no quiso (o al menos no intentó) volver con él y lo rechazó cuando se encontraron en octubre de 1973, en París, donde ella residía.
Con la voz apenas una sombra de lo que había sido, quedó claro desde el primer concierto en Hamburgo, el 25 de octubre, que la gira sería un desastre artísticamente. Callas y Di Stefano tenían como acompañamiento al piano al anciano Ivor Newton. Newton comenzó a tener vértigos en la calle y a hacer conjeturas sobre su muerte. Una vez dijo a Robert Sutherland, quien pasaba las páginas de sus partituras: «Si tengo un ataque de corazón mientras María está cantando una nota alta, tienes que dar un empujón fuerte a mi banqueta y continuar tú como si nada hubiera pasado». María rechazó discutir con Newton, temiendo que lo podía matar con la tensión. Sutherland en ocasiones les acompañó cuando la gira viajó a los Estados Unidos. El concierto final tuvo lugar el 11 de noviembre de 1974 en Sapporo.[23] Era el último lugar del planeta donde se escucharía cantar a María Callas.
Tumba de Maria Callas.El 16 de septiembre de 1977 María se despertó en su casa de París. Desayunó en la cama y fue hacia el cuarto de baño. Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada otra vez a la cama y bebió un café fuerte. Reclamaron la presencia del médico del mayordomo, que salió inmediatamente hacia la residencia de Maria, quien murió antes de que llegara. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Las razones de su muerte quedan poco claras: oficialmente se trató de una «crisis cardíaca», pero no se descarta que se suicidara ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes[cita requerida]. Su urna fúnebre fue robada y encontrada unos días más tarde. Tras su recuperación se dispersaron sus cenizas en el Mar Egeo.
Importancia y legado artístico [editar]Con un registro de soprano que abarcó tres octavas afrontó una amplia gama de papeles desde el bel canto al de soprano dramática, siendo su tipología vocal muy peculiar y difícil de clasificar tanto por su particular timbre de voz (que no era bello según los cánones establecidos) como por sus agudos a veces estridentes y sus graves en voz de pecho. Tenía una sorprendente capacidad de matizar, lo que ha llevado a algunos críticos a considerarla como soprano sfogato, una voz capaz de alternar entre registros de soprano aguda como de contralto con gran agilidad, siendo heredera directa de María Malibrán y Giuditta Pasta, musas de Vincenzo Bellini.
El mayor don de Callas se hallaba en su innata musicalidad que le permitía internarse instintivamente en el universo personal de cada compositor sin importar los defectos vocales en los que a veces incurría. Callas supo hacer de sus defectos sus mayores virtudes. Magnética en escena, no fue sólo una gran soprano con dotes vocales inusuales, sino también una gran actriz que supo encarnar sus personajes de un modo único.
Demostró la vigencia de la ópera con interpretaciones casi cinematográficas. Poseyó una intuición artística infalible, que se apoyó en un gran trabajo a menudo apoyado en directores de la talla de Luchino Visconti y Franco Zeffirelli.
Desafortunadamente parte su fama no obedeció sólo a razones artísticas. Su vida privada y su relación con Aristóteles Onassis hicieron que ocupara portadas de la prensa rosa cuando su carrera estaba prácticamente terminada. En realidad, después de iniciar su relación con Onassis entró en declive. Más allá de anécdotas sin interés, se olvida todo lo que había aportado al género lírico en una época en la que el público empezaba a alejarse de los espectáculos convencionales y rutinarios.
Los grandes éxitos de su carrera, que le garantizan uno de los lugares más importantes en la historia de la ópera, tuvieron lugar antes de su relación con Onassis.
Callas propulsó la revaluación del género belcantista e impulsó la interpretación del verismo desde la técnica del belcanto provocando una revisión importante desde el punto musical e interpretativo. La generación que le siguió cimentó estos valores en los nombres de sopranos como Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Leyla Gencer, Renata Scotto, Beverly Sills, Mirella Freni y las mezzosopranos Marilyn Horne y Teresa Berganza motivando un florecimiento del género lírico desde un enfoque históricamente veraz.
Repertorio [editar]Sus máximas creaciones fueron Norma, Medea, Violetta en La traviata, Lucía y Tosca (de la que realizó la versión discográfica considerada "definitiva" en 1953), seguidas por Elvira en Los puritanos, Lady en Macbeth, La Gioconda, Il Trovatore, La Sonnambula, Anna Bolena, Ifigenia, Madama Butterfly, Turandot , Rosina en El barbero de Sevilla y Armida. En el final de su carrera en 1964 abordó Carmen en el estudio de grabación como había hecho en 1956 con Mimí de La Boheme y Manon Lescaut, papeles que nunca cantó en escena (tampoco Nedda de I Pagliacci).
En total cantó 47 personajes (incluyendo Smaragda en "O protomastoras" de Kalomiris en 1943, su único papel en una ópera contemporánea).
Repertorio Escénico
ópera clásica y belcantista:
Vincenzo Bellini: Norma, I Puritani, La Sonnambula, Il Pirata
Luigi Cherubini: Medea papel que interpretó en la película de Pier Paolo Pasolini (sin relación con la ópera)
Christoph Willibald Gluck: Alceste, Iphigénie en Tauride.
Gioacchino Rossini: Il turco in Italia, El Barbero de Sevilla, Armida
Gaspare Spontini: La Vestale
Gaetano Donizetti: Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Poliuto
Giuseppe Verdi: Nabucco, Macbeth, Rigoletto, Il Trovatore, La Traviata, Las vísperas sicilianas, La fuerza del destino, Aida, Don Carlo, Un ballo in maschera
ópera verista:
Giacomo Puccini: Tosca, Turandot, Madama Butterfly, [[Suor Angelica]](1 rep. 1940)
Umberto Giordano: Andrea Chénier, Fedora
Pietro Mascagni: Cavalleria rusticana (Santuzza)(1939 y 1944)
Amilcare Ponchielli: La Gioconda
Arrigo Boito: Mefistofele (3 rep. en 1954)
ópera alemana (en italiano) y otras
Beethoven: Fidelio (11 representaciones en 1944 en Atenas al principio de su carrera)
Richard Wagner: Tristán e Isolda, Parsifal, La Valquiria
Eugen d'Albert: Tiefland (Martha, 1944, Atenas)
Carl Millocker: Der Bettelstudent (Laura) (Atenas, 1945)
Haydn: Orfeo ed Euridice (2 en 1951)
Mozart: El rapto en el serrallo (4 rep en 1952)
von Suppe: Bocaccio (debut profesional 1939, Atenas)
ver también
Registro de representaciones completo de Callas[24]
Registro cronológico detallada de cada representación con Callas[25]
Cuadro sinoptico con sus personajes[26]
Las 15 óperas mas representadas por Callas [editar]1 - Norma - 89 funciones (1948-1965)
2 - La traviata - 63 funciones (1951-1958)
3 - Tosca - 51 funciones (1942-1965)
4 - Lucia di Lammermoor - 46 funciones (1952-56)
5 - Aida - 33 funciones (1948-1953)
6 - Medea - 31 funciones (1953-62)
7 - Turandot - 24 funciones (1948-49)(+ grabación en 1957)
8 - La Sonámbula - 22 funciones (1955-57)
9 - Il trovatore - 20 funciones (1950-56)
10 - I Puritani - 16 funciones (1949-55)
11 - La gioconda - 13 funciones (1947-53)
12 - Cavalleria rusticana - 13 funciones (1939-1944)
13 - Anna Bolena - 12 funciones (1957-58)
14 - Tristan e Isolda - 12 funciones (1947-1950)
15 - Las vísperas sicilianas - 11 funciones (1951-52)
Los restantes 32 personajes recibieron menos de 10 funciones cada uno.
Cronologia de principales grabaciones de estudio y en vivo de óperas completas[28] [editar]La carrera discográfica comercial de Callas comienza en noviembre de 1949 con un disco de la Cetra donde canta el Liebestod, arias de Verdi y Bellini y finaliza con tomas de EMI en marzo de 1969.
(en negrita las grabaciones registradas en estudio)
1949
Verdi, Nabucco, Vittorio Gui, Napoles
1950
Wagner, Parsifal, Vittorio Gui, Roma
Verdi, Il trovatore, Guido Picco, México City
1951
Verdi, Aida, Oliviero de Fabritiis, Palacio de Bellas Artes, México City
Verdi, Las vísperas sicilianas, Erich Kleiber, Florencia
1952
Ponchielli, La Gioconda, Antonino Votto, Fonit Cetra
Rossini, Armida, Tullio Serafin, Florencia
Bellini, I Puritani, Guido Picco, México 1952
Verdi, Rigoletto, Umberto Mugnai, México 1952
Puccini, Tosca, Guido Picco, México, 1952
Verdi, La traviata, Umberto Mugnai, México, 1952
Bellini, Norma, Vittorio Gui, Covent Garden, London, 1952
Verdi, Macbeth, Victor de Sabata, La Scala, Milan, 1952
1953
Verdi, La traviata, Gabriele Santini, Fonit Cetra, 1953
Bellini, I puritani, Tullio Serafin, EMI, 1953
Mascagni, Cavalleria Rusticana, Tullio Serafin, EMI, 1953
Verdi, Aida, John Barbirolli, Covent Garden Londres, 1953
Puccini, Tosca, Victor de Sabata, EMI, 1953
Cherubini, Medea, Vittorio Gui, Florencia, 1953
Cherubini, Medea, Leonard Bernstein, La Scala, Milan, 1953
Bellini, Norma, Antonino Votto, Trieste 1953
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Tullio Serafin, EMI
1954
Leoncavallo, Pagliacci, Tullio Serafin, EMI, 1954
Spontini, La vestale, Antonino Votto, La Scala, Milan, 1954
Gluck, Alceste, Carlo Maria Giulini, La Scala, 1954
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Herbert von Karajan, La Scala 1954
Bellini, Norma, Tullio Serafin, EMI 1954
Rossini, Il turco in Italia, Gianandrea Gavazzeni, La Scala 1954
1955
Giordano, Andrea Chenier, Antonino Votto, La Scala 1955
Verdi, La traviata, Carlo Maria Giulini, La Scala, Milan, 1955
Puccini, Madama Butterfly, Herbert von Karajan, EMI, 1955
Verdi, Aida, Tullio Serafin, EMI, 1955
Verdi, Rigoletto, Tullio Serafin, EMI, 1955
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Herbert von Karajan, Opera Alemana de Berlin, 1955
Bellini, Norma, Antonino Votto, La Scala, Milan, 1955.
1956
Puccini, Tosca, Dmitri Mitropoulos, Metropolitan Opera, Nueva York
Verdi, Il trovatore, Herbert von Karajan, EMI, 1956
Puccini, La boheme, Antonino Votto, EMI, 1956.
Verdi, Un ballo in maschera, Antonino Votto, EMI, 1956
Rossini, Il barbiere di Siviglia, Carlo Maria Giulini, La Scala 1956
1957
Bellini, La sonnambula, Antonino Votto, EMI, 1957
Donizetti, Anna Bolena, Gianandrea Gavazzeni, La Scala, Milan, 1957
Bellini, La sonnambula, Antonino Votto, Cologne,1957
Puccini, Turandot, Tullio Serafin, EMI, 1957
Cherubini, Medea, Tullio Serafin, EMI, 1957
Verdi, Un ballo in maschera, Gianandrea Gavazzeni, La Scala, Milan, 1957
Gluck, Iphigénie en Tauride, Nino Sanzogno, La Scala
1958
Verdi, La traviata, Franco Ghione, Lisboa, 1958
Cherubini, Medea, Nicola Rescigno, Dallas 1958
Rossini, Il barbiere di Siviglia, Alceo Galliera, EMI 1958
1959
Bellini, Il pirata, Nicola Rescigno, Nueva York
Ponchielli, La Gioconda, Antonino Votto, EMI, 1959
Donizetti, Lucia di Lammermoor, EMI (version estereo)
1960
Donizetti, Poliuto, Antonino Votto, La Scala
Bellini, Norma, Tullio Serafin, EMI(version estereo)
1961
Cherubini, Medea, Thomas Schippers, La Scala
1964
Puccini, Tosca, Carlo Felice Cillario, London, 1964
Bizet, Carmen, Georges Prêtre, EMI 1964.
Puccini, Tosca, Georges Prêtre, EMI, 1964.
1965
Bellini, Norma, Georges Pretre, Paris
Puccini, Tosca, Nicola Rescigno, Paris
Puccini, Tosca, Georges Pretre, Covent Garden, Londres
Puccini, Tosca, Fausto Cleva, Metropolitan Opera
Obras ficticias inspiradas en Maria Callas [editar]McNally, Terrence. The Lisbon Traviata - ISBN: 0822206730.
McNally, Terrence. Master Class - ISBN: 0452276152
Bond, Alma. Autobiography of Maria Callas. Birch Brook Press 1998. ISBN: 0913559482
Combinaba una formidable técnica del bel canto que daba flexibilidad a su caudalosa voz, que se sumaba a un timbre personal y un gran talento dramático, cualidades que le hicieron la más famosa actriz-cantante de su época. Extraordinariamente versátil, su repertorio se integraba con la ópera seria clásica, como La Vestale de Gaspare Spontini, Alceste de Gluck y Medea de Cherubini hasta las óperas de Giuseppe Verdi, o Giacomo Puccini e incluso Richard Wagner y las óperas del verismo.
Sus estudios del bel canto con la soprano de coloratura española Elvira de Hidalgo le permitieron abordar papeles muy disímiles y resucitar la tradición del bel canto romántico italiano en la verdadera acepción del término y a través de la exhumación de óperas olvidadas como Anna Bolena de Donizetti.
Desafortunadamente este esfuerzo, sumado a la súbita pérdida de peso, aceleró el deterioro de su voz y le acarreó múltiples críticas además de acortar su longevidad vocal. El fenómeno Callas duró apenas algo más de una década pero su irrupción en el mundo de la lírica dejó una marca imborrable y visionaria.
En la definición del musicólogo Kurt Pahlen «…su canto asemeja una herida abierta, que sangra entregando sus fuerzas vitales…como si ella fuese la memoria del dolor del mundo…»
María conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona quien la contrató para cantar La Gioconda de Ponchielli en ese anfiteatro. Viajó entonces a Italia en compañía de la esposa de Bagarozy, Louise, y allí conoció a su primer esposo: un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini (Verona, 1896 – Desenzano del Garda, 1981), 30 años mayor que ella y decisivo en la gestión de la incipiente carrera de la soprano.
Su debut italiano en la Arena de Verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Su trabajo en la ópera de Ponchielli fue un éxito pero no se reflejó inmediatamente en nuevos contratos. Así, Callas se encontró nuevamente sin empleo, pero gracias al apoyo brindado por Meneghini logró continuar con sus estudios privados de canto, haciendo luego una audición para Serafin en el difícil papel protagonista de Tristan e Isolda de Richard Wagner, que se iba a presentar en el teatro La Fenice de Venecia en la siguiente temporada. Logró el papel y debutó en el teatro veneciano obteniendo un clamoroso éxito que le permitió cantar Turandot de Puccini y Brünnhilde en Die Walküre (La valquiria), en las temporadas de 1948-1949.
En 1949 se casa con Meneghini y cambia su nombre a Maria Meneghini Callas.
Ese año, durante el receso estival europeo, el 20 de mayo de 1949 hace su debut americano en el Teatro Colón de Buenos Aires como Turandot, Aída (sólo una función reemplazando a Delia Rigal) y Norma dirigidas por Tullio Serafin secundada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni.
En Venecia se iba a representar la ópera I Puritani de Vincenzo Bellini (el llamado «Chopin de la ópera») con Margherita Carosio en el papel de Elvira. Una tarde María se había cansado de cantar Brünnhilde y comenzó a leer la música del personaje de Elvira. Cuando la esposa de Serafin la escuchó, se lo dijo a éste y pidió a María que lo cantase. Además la Carosio estaba enferma y era necesario sustituirla. La mañana siguiente María cantó para el Director Musical del teatro, quien decidió que ella sería la mejor elección como Elvira. Se le dio una semana para aprender la ópera entera, una semana que además incluía tres representaciones de Die Walküre. Después de la primera representación de I Puritani el 19 de enero de 1949, María Callas se convirtió en «la voz de Italia».
Después de su Elvira en Venecia, María se convirtió en una celebridad en Italia, pero todavía no se le había ofrecido un papel en el teatro más importante del país: La Scala de Milán. Finalmente se le ofreció un papel en la Aida de Giuseppe Verdi que Renata Tebaldi no podía realizar. Maria y Meneghini esperaban un gran éxito, pero cuando comenzaron las representaciones de Aída el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría, situación que la Callas notó al concluir el segundo acto, y en un arrebato de cólera dejó la obra inconclusa. Para la segunda presentación el 7 de diciembre de 1950, La Scala se rindió a María Callas, un éxito que dio origen a su seudónimo «La Divina». La temporada del 1950-1951 inició con I vespri siciliani, de Giuseppe Verdi, siendo una de las actuaciones más aclamadas y recordadas de la soprano.
El 23 de mayo de 1950 debuta en el Palacio de Bellas Artes (Ciudad de México), cantando Norma, y es en ese mismo escenario donde intercala un célebre Mi bemol al final del segundo acto de Aida conocido como "El agudo de México"[2] y en donde cantaría las dos únicas funciones de Rigoletto a lo largo de su vida.
En julio de 1952 Callas firmó un contrato de grabación exclusiva con Walter Legge, productor musical de EMI. Pocos días después Legge y su mujer, la famosa soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf, fueron a verla en La Traviata en la Arena de Verona. Tras la representación, la Schwarzkopf ofreció uno de los tributos más conmovedores: viéndose superada por María, no cantaría nunca más La Traviata. Cuando se le pidió una explicación la Schwarzkopf respondió: «¿Cuál sería el sentido de hacerlo si otra artista lo puede hacer perfecto?».
Mujer alta y muy corpulenta, en esa época decidió bajar de peso para "hacer justicia a Medea", papel que interpretaría en La Scala dirigida por Leonard Bernstein en producción de Margarita Wallmann.
Entre 1953-54 bajó más de 36 kilogramo (80 libras. Cuando reapareció como la tísica Violetta en la puesta en escena de Luchino Visconti de La Traviata en un primer momento ni el director orquestal Carlo Maria Giulini la reconoció. Era "otra mujer" y Visconti había hallado la cantante-actriz ideal para sus cinematográficas escenificaciones. Visconti la convertirá en ideal Violetta y luego Ifigenia, Elisabetta, Anna Bolena y Amina en La sonnambula de Bellini.
En 1954 hace su debut en Estados Unidos en la Lyric Opera of Chicago como Lucia di Lammermoor.
En 1955, probablemente su mejor año escalígero, canta una Norma que adquirirá estatus legendario junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco dirigida por Antonino Votto y en Berlín junto a Herbert von Karajan canta una Lucia di Lammermoor histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlin. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto.[3]
El 17 de noviembre de 1955, al término de la presentación de Madame Butterfly en el Lyric Opera de Chicago, María Callas celebraba su triunfo. La audiencia continuaba aplaudiendo cuando se acercó el oficial de justicia Stanley Pringle, que le presentó un requerimiento judicial por haber sido demandada por su anterior representante: Eddie Bagarozy, quien esgrimía un contrato de 1947 que le designaba como único representante. Aunque no habían tenido contacto durante muchos años, Bagarozy reclamó que él tenía un porcentaje de los honorarios de Callas y que con los gastos pagados por él sumaban 300.000 dólares. El caso fue dirimido en el juzgado el 7 de noviembre de 1957 según unos términos que no se hicieron públicos.
Finalmente María hizo su debut en el Metropolitan Opera House el 28 de octubre de 1956 como Norma de Vincenzo Bellini.
En 1957 tienen lugar la histórica exhumación de Anna Bolena de Donizetti en La Scala dirigida por Luchino Visconti junto a Giulietta Simionato y las igualmente históricas de La sonnambula de Bellini que el realizador trata como un cuento pastoral donde Maria equipara física y vocalmente a la soprano del siglo XIX Fanny Persiani.
Durante la gira de la compañía primero a Colonia y luego al Festival de Edimburgo, ante el éxito de las representaciones de La sonnambula se agrega una quinta función a las cuatro programadas.[4] Maria con toda razón aduce no estar contratada y deja Edimburgo por Venecia donde la espera una fiesta de su amiga Elsa Maxwell donde - según Maxwell - la columnista le presentó al magnate Aristóteles Onassis.[5] Se sucede otro escándalo y la entonces desconocida Renata Scotto de 23 años en dos días aprende la parte para consagrarse internacionalmente.[6] [7]
Un año legendario: 1958 [editar]
La villa en Sirmione donde vivió con su marido Meneghini.La siguiente vez que María provocó titulares por un escándalo fue por una representación de Norma en la ópera de Roma el 2 de enero de 1958 en honor del Presidente de Italia, Giovanni Gronchi, y su esposa.
Desgraciadamente María contrajo un resfriado y se informó al teatro de que se le debía substituir, pero La Scala se negaba a sustituirla. María, contra las órdenes de los médicos, salió a escena pero tuvo claro desde la primera nota que su voz estaba en mala condición. Al final del primer acto, media audiencia no se mostraba satisfecha. María huyó rápidamente por una puerta trasera, y anunció que lo había hecho porque no estaba a la altura del público milanés. Al avisar al teatro de su situación vocal, el teatro había respondido: «Nessuno può sostituire la Callas» («Nadie puede sustituir a la Callas»), lo que enfureció al público milanés. El público estaba rabioso pero María fue excusada cuando recibió la llamada de la Señora Gronchi, quien le aseguró que ni ella ni su marido se habían ofendido.
Tres meses después, María cantaría junto al joven tenor canario Alfredo Kraus en Lisboa una de las representaciones más aclamadas de La Traviata de Verdi. Esta función dirigida por Franco Ghione el 27 de marzo de 1958 es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de esta ópera. Se han descubierto fragmentos filmados de esas funciones[8]
Ese mismo año su arte llegó a distintos lugares del mundo: Chicago, Berlín, Viena, Filadelfia, Washington, Dallas, Colonia, Edimburgo. A mediados de dicho año, María Callas representa en el Covent Garden de Londres La Traviata con Cesare Valetti.
Cerró este especial año con un recital en directo celebrando su debut en la Ópera Garnier de París, el 19 de diciembre, que fue transmitido a más de una docena de países en Europa[9] y que inició su relación entrañable con la ciudad donde terminaría sus días.
Hacia fines de 1958 Rudolf Bing - director del Metropolitan Opera donde ella habia debutado en 1956 - quiere contratarla para La traviata y Macbeth, dos óperas muy diferentes para las cuales no llegaron a un acuerdo.[10] [11] La noche del debut de Callas en Medea en Dallas, le envió un telegrama terminando su contrato. Callas enfurecida convoca a la prensa y canta una legendaria Medea junto a Jon Vickers y la joven Teresa Berganza.[12] [13] Posteriormente Bing dirá que Callas fue la artista mas dificil de tratar, que era tan inteligente que siempre ganaba.[14] [15] La cancelación de Macbeth catapulto al estrellato a quien la reemplazó, la austríaca Leonie Rysanek. Pese a todo, Bing y Callas se reconciliaron en la década del 60 y Callas retornó al Met en 1965 por dos funciones de Tosca, funciones que junto a las de Covent Garden serían sus últimas en un escenario de ópera.
Relación con Onassis y declive vocal [editar]
Últimas actuaciones en 1973, Ámsterdam.El 3 de noviembre de 1959, María Callas dejó a su marido Giovanni Meneghini por el magnate naviero griego Aristóteles Onassis, un idilio que la prensa de la época difundió exhaustivamente. Esta tortuosa relación sentimental se convertiría en una «tragedia griega».
La soprano se retiró durante un breve tiempo mientras duraba su relación con Onassis, y a su regreso (por falta de práctica y excesiva vida social) a nadie se le escapó que su voz había perdido fuerza y evidenciaba los signos de decadencia que ya se habían advertido años antes.
Por aquel tiempo (1961) Maria representaba Medea en Epidauro y en La Scala. No tenía buena voz y el 11 de septiembre de 1961, durante el primer acto en el dueto con Jasón (personaje interpretado por Jon Vickers), la audiencia comenzó a pitar. María ignoró el alboroto hasta que llegó la escena donde ella denuncia a Jasón con la palabra «Crudel!» («¡Cruel!»). Después del primer «Crudel!» paró de cantar; miró al público y le dirigió su segundo «Crudel!»; hizo una pausa y comenzó otra vez con las palabras: «Ho dato tutto a te» («Te lo he dado todo») haciendo un gesto como si amenazara con el puño a la galería; la audiencia paró de silbar, y María recibió una ovación clamorosa al final.
En mayo de 1965 la voz de Callas volvió a ser objeto de disputas. Estaba representando Norma en la Ópera de París[16] con Fiorenza Cossotto como Adalgisa. Cossotto sabía que María estaba extenuada, por lo que decidió derrotarla en escena. La noche de la última representación de Norma, el 29 de mayo, María estaba más débil y Cossotto se ensañó con ella e hizo del gran dueto un duelo entre ambas. Al final, cuando el telón cayó, María se hundió y fue llevada inconsciente a su camerino.
En 1965 la Callas realizó su última representación de ópera con Tosca en el Covent Garden londinense junto a su compañero de escena clásico el baritono Tito Gobbi.[17] Tenía 41 años.
En 1966 renuncia a la ciudadanía estadounidense y toma la nacionalidad griega. De esta manera técnicamente anula su matrimonio con Meneghini. Tenía la esperanza de que Onassis, a quien en verdad amaba, le propusiese matrimonio, pero Onassis nunca la complació bajo diversos pretextos.
El 20 de octubre de 1968 Onassis abandonó abruptamente a Callas para casarse con Jacqueline Kennedy, la viuda del presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy, asesinado en Dallas. Callas, herida en lo más profundo de su orgullo, nunca pudo superar el mal trance por el abandono de Onassis y jamás se lo perdonó.
En junio de 1969, María empezó a trabajar en el film Medea,[18] no inspirado en la ópera de Cherubini ni la tragedia de Eurípides, sino en el mito de Medea según la visión primitiva y barbárica[19] de Pier Paolo Pasolini.[20] Es un papel hablado donde no canta. Filmada en Turquía y en Pisa, trabajaba duramente, tan duro que un día se desmayó después de correr en una escena bajo el intenso sol. Este film tuvo fría recepción y fue considerado un "succes d'estime" en vista de los dos grandes personajes que se habían aliado. No obstante, con el tiempo pasó a la historia como uno de los mejores de Pasolini y contó con difusión a nivel internacional.[21]
El 25 de mayo de 1970 tuvo que acudir corriendo al hospital y se anunció que había querido suicidarse con una sobredosis de barbitúricos. Por aquel tiempo tomaba más somníferos para dormir, y más barbitúricos para encontrar paz.
En 1971-72 intenta dedicarse a la dirección escénica con una puesta de Las vísperas sicilianas que no alcanzó éxito y luego impartiría una serie de hoy legendarias clases magistrales[22] en la Juilliard School de Nueva York que inspirarían el drama teatral Master Class del dramaturgo Terence McNally y mostrarían el precario estado de su voz.
Se había instalado definitivamente en París en la más completa soledad hasta su muerte a los 53 años en su apartamento de la Avenue Georges Mandel 36 (y Rue des Sablons) cerca del Arco de Triunfo (hoy esa sección lleva el nombre "Allée Maria Callas").
Esta etapa sería recreada en la película Callas Forever, dirigida por su amigo Franco Zeffirelli.
Últimas actuaciones, retiro y muerte [editar]María Callas volvió a los escenarios en 1973 con Giuseppe di Stefano. Por primera vez en ocho años volvía a cantar en público. A principios de enero de 1973, Alexander, el hijo favorito de Aristóteles, fallece en un accidente. Además el matrimonio de Onassis con Jackie iba de mal en peor. Él intentó reconquistar a Callas a pesar de estar todavía casado con Jackie Kennedy, pero ella no quiso (o al menos no intentó) volver con él y lo rechazó cuando se encontraron en octubre de 1973, en París, donde ella residía.
Con la voz apenas una sombra de lo que había sido, quedó claro desde el primer concierto en Hamburgo, el 25 de octubre, que la gira sería un desastre artísticamente. Callas y Di Stefano tenían como acompañamiento al piano al anciano Ivor Newton. Newton comenzó a tener vértigos en la calle y a hacer conjeturas sobre su muerte. Una vez dijo a Robert Sutherland, quien pasaba las páginas de sus partituras: «Si tengo un ataque de corazón mientras María está cantando una nota alta, tienes que dar un empujón fuerte a mi banqueta y continuar tú como si nada hubiera pasado». María rechazó discutir con Newton, temiendo que lo podía matar con la tensión. Sutherland en ocasiones les acompañó cuando la gira viajó a los Estados Unidos. El concierto final tuvo lugar el 11 de noviembre de 1974 en Sapporo.[23] Era el último lugar del planeta donde se escucharía cantar a María Callas.
Tumba de Maria Callas.El 16 de septiembre de 1977 María se despertó en su casa de París. Desayunó en la cama y fue hacia el cuarto de baño. Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada otra vez a la cama y bebió un café fuerte. Reclamaron la presencia del médico del mayordomo, que salió inmediatamente hacia la residencia de Maria, quien murió antes de que llegara. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Las razones de su muerte quedan poco claras: oficialmente se trató de una «crisis cardíaca», pero no se descarta que se suicidara ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes[cita requerida]. Su urna fúnebre fue robada y encontrada unos días más tarde. Tras su recuperación se dispersaron sus cenizas en el Mar Egeo.
Importancia y legado artístico [editar]Con un registro de soprano que abarcó tres octavas afrontó una amplia gama de papeles desde el bel canto al de soprano dramática, siendo su tipología vocal muy peculiar y difícil de clasificar tanto por su particular timbre de voz (que no era bello según los cánones establecidos) como por sus agudos a veces estridentes y sus graves en voz de pecho. Tenía una sorprendente capacidad de matizar, lo que ha llevado a algunos críticos a considerarla como soprano sfogato, una voz capaz de alternar entre registros de soprano aguda como de contralto con gran agilidad, siendo heredera directa de María Malibrán y Giuditta Pasta, musas de Vincenzo Bellini.
El mayor don de Callas se hallaba en su innata musicalidad que le permitía internarse instintivamente en el universo personal de cada compositor sin importar los defectos vocales en los que a veces incurría. Callas supo hacer de sus defectos sus mayores virtudes. Magnética en escena, no fue sólo una gran soprano con dotes vocales inusuales, sino también una gran actriz que supo encarnar sus personajes de un modo único.
Demostró la vigencia de la ópera con interpretaciones casi cinematográficas. Poseyó una intuición artística infalible, que se apoyó en un gran trabajo a menudo apoyado en directores de la talla de Luchino Visconti y Franco Zeffirelli.
Desafortunadamente parte su fama no obedeció sólo a razones artísticas. Su vida privada y su relación con Aristóteles Onassis hicieron que ocupara portadas de la prensa rosa cuando su carrera estaba prácticamente terminada. En realidad, después de iniciar su relación con Onassis entró en declive. Más allá de anécdotas sin interés, se olvida todo lo que había aportado al género lírico en una época en la que el público empezaba a alejarse de los espectáculos convencionales y rutinarios.
Los grandes éxitos de su carrera, que le garantizan uno de los lugares más importantes en la historia de la ópera, tuvieron lugar antes de su relación con Onassis.
Callas propulsó la revaluación del género belcantista e impulsó la interpretación del verismo desde la técnica del belcanto provocando una revisión importante desde el punto musical e interpretativo. La generación que le siguió cimentó estos valores en los nombres de sopranos como Joan Sutherland, Montserrat Caballé, Leyla Gencer, Renata Scotto, Beverly Sills, Mirella Freni y las mezzosopranos Marilyn Horne y Teresa Berganza motivando un florecimiento del género lírico desde un enfoque históricamente veraz.
Repertorio [editar]Sus máximas creaciones fueron Norma, Medea, Violetta en La traviata, Lucía y Tosca (de la que realizó la versión discográfica considerada "definitiva" en 1953), seguidas por Elvira en Los puritanos, Lady en Macbeth, La Gioconda, Il Trovatore, La Sonnambula, Anna Bolena, Ifigenia, Madama Butterfly, Turandot , Rosina en El barbero de Sevilla y Armida. En el final de su carrera en 1964 abordó Carmen en el estudio de grabación como había hecho en 1956 con Mimí de La Boheme y Manon Lescaut, papeles que nunca cantó en escena (tampoco Nedda de I Pagliacci).
En total cantó 47 personajes (incluyendo Smaragda en "O protomastoras" de Kalomiris en 1943, su único papel en una ópera contemporánea).
Repertorio Escénico
ópera clásica y belcantista:
Vincenzo Bellini: Norma, I Puritani, La Sonnambula, Il Pirata
Luigi Cherubini: Medea papel que interpretó en la película de Pier Paolo Pasolini (sin relación con la ópera)
Christoph Willibald Gluck: Alceste, Iphigénie en Tauride.
Gioacchino Rossini: Il turco in Italia, El Barbero de Sevilla, Armida
Gaspare Spontini: La Vestale
Gaetano Donizetti: Lucia di Lammermoor, Anna Bolena, Poliuto
Giuseppe Verdi: Nabucco, Macbeth, Rigoletto, Il Trovatore, La Traviata, Las vísperas sicilianas, La fuerza del destino, Aida, Don Carlo, Un ballo in maschera
ópera verista:
Giacomo Puccini: Tosca, Turandot, Madama Butterfly, [[Suor Angelica]](1 rep. 1940)
Umberto Giordano: Andrea Chénier, Fedora
Pietro Mascagni: Cavalleria rusticana (Santuzza)(1939 y 1944)
Amilcare Ponchielli: La Gioconda
Arrigo Boito: Mefistofele (3 rep. en 1954)
ópera alemana (en italiano) y otras
Beethoven: Fidelio (11 representaciones en 1944 en Atenas al principio de su carrera)
Richard Wagner: Tristán e Isolda, Parsifal, La Valquiria
Eugen d'Albert: Tiefland (Martha, 1944, Atenas)
Carl Millocker: Der Bettelstudent (Laura) (Atenas, 1945)
Haydn: Orfeo ed Euridice (2 en 1951)
Mozart: El rapto en el serrallo (4 rep en 1952)
von Suppe: Bocaccio (debut profesional 1939, Atenas)
ver también
Registro de representaciones completo de Callas[24]
Registro cronológico detallada de cada representación con Callas[25]
Cuadro sinoptico con sus personajes[26]
Las 15 óperas mas representadas por Callas [editar]1 - Norma - 89 funciones (1948-1965)
2 - La traviata - 63 funciones (1951-1958)
3 - Tosca - 51 funciones (1942-1965)
4 - Lucia di Lammermoor - 46 funciones (1952-56)
5 - Aida - 33 funciones (1948-1953)
6 - Medea - 31 funciones (1953-62)
7 - Turandot - 24 funciones (1948-49)(+ grabación en 1957)
8 - La Sonámbula - 22 funciones (1955-57)
9 - Il trovatore - 20 funciones (1950-56)
10 - I Puritani - 16 funciones (1949-55)
11 - La gioconda - 13 funciones (1947-53)
12 - Cavalleria rusticana - 13 funciones (1939-1944)
13 - Anna Bolena - 12 funciones (1957-58)
14 - Tristan e Isolda - 12 funciones (1947-1950)
15 - Las vísperas sicilianas - 11 funciones (1951-52)
Los restantes 32 personajes recibieron menos de 10 funciones cada uno.
Cronologia de principales grabaciones de estudio y en vivo de óperas completas[28] [editar]La carrera discográfica comercial de Callas comienza en noviembre de 1949 con un disco de la Cetra donde canta el Liebestod, arias de Verdi y Bellini y finaliza con tomas de EMI en marzo de 1969.
(en negrita las grabaciones registradas en estudio)
1949
Verdi, Nabucco, Vittorio Gui, Napoles
1950
Wagner, Parsifal, Vittorio Gui, Roma
Verdi, Il trovatore, Guido Picco, México City
1951
Verdi, Aida, Oliviero de Fabritiis, Palacio de Bellas Artes, México City
Verdi, Las vísperas sicilianas, Erich Kleiber, Florencia
1952
Ponchielli, La Gioconda, Antonino Votto, Fonit Cetra
Rossini, Armida, Tullio Serafin, Florencia
Bellini, I Puritani, Guido Picco, México 1952
Verdi, Rigoletto, Umberto Mugnai, México 1952
Puccini, Tosca, Guido Picco, México, 1952
Verdi, La traviata, Umberto Mugnai, México, 1952
Bellini, Norma, Vittorio Gui, Covent Garden, London, 1952
Verdi, Macbeth, Victor de Sabata, La Scala, Milan, 1952
1953
Verdi, La traviata, Gabriele Santini, Fonit Cetra, 1953
Bellini, I puritani, Tullio Serafin, EMI, 1953
Mascagni, Cavalleria Rusticana, Tullio Serafin, EMI, 1953
Verdi, Aida, John Barbirolli, Covent Garden Londres, 1953
Puccini, Tosca, Victor de Sabata, EMI, 1953
Cherubini, Medea, Vittorio Gui, Florencia, 1953
Cherubini, Medea, Leonard Bernstein, La Scala, Milan, 1953
Bellini, Norma, Antonino Votto, Trieste 1953
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Tullio Serafin, EMI
1954
Leoncavallo, Pagliacci, Tullio Serafin, EMI, 1954
Spontini, La vestale, Antonino Votto, La Scala, Milan, 1954
Gluck, Alceste, Carlo Maria Giulini, La Scala, 1954
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Herbert von Karajan, La Scala 1954
Bellini, Norma, Tullio Serafin, EMI 1954
Rossini, Il turco in Italia, Gianandrea Gavazzeni, La Scala 1954
1955
Giordano, Andrea Chenier, Antonino Votto, La Scala 1955
Verdi, La traviata, Carlo Maria Giulini, La Scala, Milan, 1955
Puccini, Madama Butterfly, Herbert von Karajan, EMI, 1955
Verdi, Aida, Tullio Serafin, EMI, 1955
Verdi, Rigoletto, Tullio Serafin, EMI, 1955
Donizetti, Lucia di Lammermoor, Herbert von Karajan, Opera Alemana de Berlin, 1955
Bellini, Norma, Antonino Votto, La Scala, Milan, 1955.
1956
Puccini, Tosca, Dmitri Mitropoulos, Metropolitan Opera, Nueva York
Verdi, Il trovatore, Herbert von Karajan, EMI, 1956
Puccini, La boheme, Antonino Votto, EMI, 1956.
Verdi, Un ballo in maschera, Antonino Votto, EMI, 1956
Rossini, Il barbiere di Siviglia, Carlo Maria Giulini, La Scala 1956
1957
Bellini, La sonnambula, Antonino Votto, EMI, 1957
Donizetti, Anna Bolena, Gianandrea Gavazzeni, La Scala, Milan, 1957
Bellini, La sonnambula, Antonino Votto, Cologne,1957
Puccini, Turandot, Tullio Serafin, EMI, 1957
Cherubini, Medea, Tullio Serafin, EMI, 1957
Verdi, Un ballo in maschera, Gianandrea Gavazzeni, La Scala, Milan, 1957
Gluck, Iphigénie en Tauride, Nino Sanzogno, La Scala
1958
Verdi, La traviata, Franco Ghione, Lisboa, 1958
Cherubini, Medea, Nicola Rescigno, Dallas 1958
Rossini, Il barbiere di Siviglia, Alceo Galliera, EMI 1958
1959
Bellini, Il pirata, Nicola Rescigno, Nueva York
Ponchielli, La Gioconda, Antonino Votto, EMI, 1959
Donizetti, Lucia di Lammermoor, EMI (version estereo)
1960
Donizetti, Poliuto, Antonino Votto, La Scala
Bellini, Norma, Tullio Serafin, EMI(version estereo)
1961
Cherubini, Medea, Thomas Schippers, La Scala
1964
Puccini, Tosca, Carlo Felice Cillario, London, 1964
Bizet, Carmen, Georges Prêtre, EMI 1964.
Puccini, Tosca, Georges Prêtre, EMI, 1964.
1965
Bellini, Norma, Georges Pretre, Paris
Puccini, Tosca, Nicola Rescigno, Paris
Puccini, Tosca, Georges Pretre, Covent Garden, Londres
Puccini, Tosca, Fausto Cleva, Metropolitan Opera
Obras ficticias inspiradas en Maria Callas [editar]McNally, Terrence. The Lisbon Traviata - ISBN: 0822206730.
McNally, Terrence. Master Class - ISBN: 0452276152
Bond, Alma. Autobiography of Maria Callas. Birch Brook Press 1998. ISBN: 0913559482
miércoles, 26 de mayo de 2010
TOSCA, di GIACOMO PUCCINI
Es probable que este trabajo pueda ser considerado con justicia la primera ópera del siglo XX. Su estreno tuvo lugar en la ciudad de Roma, en el Teatro Costanzi, el 14 de enero de 1900.Tosca es una ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Fue estrenada con éxito en Roma, el 14 de enero de 1900, en el Teatro Costanzi. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887, donde actuaba la gran actriz Sarah Bernhardt.Tosca debió atravesar un tiempo de maduración. Fue en 1889 cuando Puccini tomó contacto con esta historia, a través del drama de Victorien Sardou. Impresionado por la fuerza del argumento, el músico le escribió a Ricordi pidiéndole que negociara los derechos operísticos del drama. Pero Puccini aún era joven y venta de fracasar con su ópera Edgar, ante lo cual Ricordi, incluso estando seguro respecto de las posibilidades de la obra, no quiso arriesgarse.
No tardó en conseguir Ricordi el permiso de Sardou para llevar Tosca al terreno de la ópera. Pero en una maniobra reñida con la honestidad, le asignó los derechos musicales de la obra al barón Alberto Franchetti, designando al exitoso Luigi lllica como libretista. Pero transcurrió el tiempo sin que Franchetti avanzara en su trabajo, en tanto Puccini obtenía el reconocimiento con Manon Lescaut y La Bohéme. Cuando lllica supo que Puccini seguía interesado en la obra, habló con Ricordi y lo convenció de la conveniencia de transferirle el encargo. El problema era lograr que Franchetti diera un paso al costado, pues aún tenía los derechos sobre la obra. Cuenta la historia que lllica, sabedor de que el barón tenía en cuenta sus opiniones (después de todo él había sido el libretista de las dos óperas que llevaron a la gloria a Puccini) se empeñó en desanimarlo, diciéndole que el argumento nunca funcionaría para una ópera, o que el relato no era digno de su gran estilo. Y el barón Franchetti finalmente renunció. Así fue como Luigi lllica y Giuseppe Giacosa tomaron cartas en el asunto, y se pusieron a trabajar de inmediato al servicio de Puccini.
El estreno de Tosca en el Teatro Colón de Buenos Aires se produjo el 16 de junio de 1908, con la soprano Amelia Pinto en el papel de Floria Tosca (en una segunda función, que tuvo lugar el 8 de julio, este rol lo cubrió Lucia Crestani), el tenor Amadeo Bassi como Mario Cavaradossi y el barítono Titta Ruffo como el Barón Scarpia (en la segunda función este rol lo cubrió Francisco Nicoletti). Bajo la dirección de Arturo Vigna, el resto de los papeles estuvo a cargo de Remo Ercolani (Sacristán), Berardo Berardi (Cesar Angelotti), Carlos Bonfanti (Spoletta), Mario Medosi (Sciarrone) y Fernando Fabbro (Carcelero), todos ellos integrantes de la Gran Compañía Lírica Italiana.
"Que alguien a quien no hemos conocido como persona nos haya hecho sentir tan intensamente en tantas ocasiones, por muy buenas condiciones naturales que tuviera, además de ser un gran ARTISTA, en el más amplio sentido de la palabra, merece que en la fecha del aniversario de su desaparición de entre nosotros, en un momento cualquiera del día, alguien levante la vista al Cielo y, diga o no una oración por su alma, lo más profundo de su corazón le dedique un aplauso, le grite un ¡¡bravo!! o le lance un beso con la punta de los dedos. Siempre con todo el Cariño, Admiración y Respeto "
"Baronesa de A."
Estas fueron las palabras de la baronesa al oir TOSCA por ALFREDO KRAUS.
No tardó en conseguir Ricordi el permiso de Sardou para llevar Tosca al terreno de la ópera. Pero en una maniobra reñida con la honestidad, le asignó los derechos musicales de la obra al barón Alberto Franchetti, designando al exitoso Luigi lllica como libretista. Pero transcurrió el tiempo sin que Franchetti avanzara en su trabajo, en tanto Puccini obtenía el reconocimiento con Manon Lescaut y La Bohéme. Cuando lllica supo que Puccini seguía interesado en la obra, habló con Ricordi y lo convenció de la conveniencia de transferirle el encargo. El problema era lograr que Franchetti diera un paso al costado, pues aún tenía los derechos sobre la obra. Cuenta la historia que lllica, sabedor de que el barón tenía en cuenta sus opiniones (después de todo él había sido el libretista de las dos óperas que llevaron a la gloria a Puccini) se empeñó en desanimarlo, diciéndole que el argumento nunca funcionaría para una ópera, o que el relato no era digno de su gran estilo. Y el barón Franchetti finalmente renunció. Así fue como Luigi lllica y Giuseppe Giacosa tomaron cartas en el asunto, y se pusieron a trabajar de inmediato al servicio de Puccini.
El estreno de Tosca en el Teatro Colón de Buenos Aires se produjo el 16 de junio de 1908, con la soprano Amelia Pinto en el papel de Floria Tosca (en una segunda función, que tuvo lugar el 8 de julio, este rol lo cubrió Lucia Crestani), el tenor Amadeo Bassi como Mario Cavaradossi y el barítono Titta Ruffo como el Barón Scarpia (en la segunda función este rol lo cubrió Francisco Nicoletti). Bajo la dirección de Arturo Vigna, el resto de los papeles estuvo a cargo de Remo Ercolani (Sacristán), Berardo Berardi (Cesar Angelotti), Carlos Bonfanti (Spoletta), Mario Medosi (Sciarrone) y Fernando Fabbro (Carcelero), todos ellos integrantes de la Gran Compañía Lírica Italiana.
"Que alguien a quien no hemos conocido como persona nos haya hecho sentir tan intensamente en tantas ocasiones, por muy buenas condiciones naturales que tuviera, además de ser un gran ARTISTA, en el más amplio sentido de la palabra, merece que en la fecha del aniversario de su desaparición de entre nosotros, en un momento cualquiera del día, alguien levante la vista al Cielo y, diga o no una oración por su alma, lo más profundo de su corazón le dedique un aplauso, le grite un ¡¡bravo!! o le lance un beso con la punta de los dedos. Siempre con todo el Cariño, Admiración y Respeto "
"Baronesa de A."
Estas fueron las palabras de la baronesa al oir TOSCA por ALFREDO KRAUS.
martes, 25 de mayo de 2010
ALFREDO KRAUS ....SEÑOR DE SEÑORES
ALFREDO JOSÉ KRAUS TRUJILLO nació el 24 de Noviembre de 1927 en la isla de Gran Canaria (España), hijo de un austríaco vienés, Otto Kraus Polensky y de una grancanaria (Las Palmas de Gran Canaria), Josefa Trujillo Mújica.
Al tiempo que iniciaba sus estudios primarios en el Colegio Corazón de María de Las Palmas, comenzó a formar parte del coro infantil del citado centro educativo. Años más tarde alternó sus estudios superiores para obtener la graduación en Ingeniería Técnica Industrial con una completa preparación musical (lenguaje musical, piano y canto). Alfredo Kraus fue, además, un gran aficionado al deporte, especialmente a la natación, práctica que mantuvo durante toda su vida.
Sus estudios de canto comenzaron en su ciudad natal (Las Palmas de Gran Canaria) de la mano de Dª María Suárez Fiol. En Barcelona amplió estudios con la señora Gabi Marcoff. Seguidamente, en Valencia, con el Maestro Andrés y finalmente en 1955 estudiará en Milán con la prestigiosa cantante española Merecedes Llopart.
El 17 de enero de 1956 Kraus hace su debut en el Teatro Real del Cairo, con las representaciones de Rigoletto y Tosca. El 7 de octubre del mismo año contraerá matrimonio con Rosa Blanca Ley Bird, de cuya unión nacerán cuatro hijos: Rosa María, Alfredo, Patricia y Laura.
Con justicia puede decirse que fue a partir de este debut en El Cairo que Alfredo Kraus comenzó una carrera imparable que le convirtió en el mejor tenor lírico del mundo, dentro de su tesitura y de su selectivo repertorio italiano, francés y español, elegido con cuidadosa atención. Kraus ha sido indiscutiblemente considerado como el gran belcantista de su generación.
Cuando sus compromisos artísticos se lo permitían, el cantante impartió numerosas clases magistrales a lo largo de todo el mundo. Bajo su dirección dio comienzo la Cátedra de Canto de la Escuela de Música Reina Sofía de Madrid, que lleva hoy su nombre. También llevan su nombre la Cátedra de Canto del Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona, así como el Aula de Música de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.
Entre los títulos más representativos de la carrera del tenor Alfredo Kraus podemos destacar La Traviata, I Puritani, La Favorita, Lucía de Lammermoor, Rigoletto, Don Pascuale, La Sonámbula, Lucrecia Borgia, L’Elisir D’Amore, Les Pecheurs de Perles, Manon, Les Contes de’Hoffmann, Romeo et Juliette, La Fille du Règiment, Werther, Fausto, Marina o Doña Francisquita.
Así mismo, el tenor español fue protagonista de dos largometrajes: Gayarre, dedicado a la vida del célebre tenor navarro Julián Gayarre, y el film titulado El Vagabundo y la Estrella. Entre las muchas distinciones y premios de las que fue objeto, se encuentran:
Gran Cruz de la Orden de Alfonso X El Sabio - Encomienda de número de la Orden de Isabel La Católica - Medalla de Oro de la Bellas Artes - Comendatore de la República Italiana - Verdi de Oro de Parma - Premio Metropolitan Opera House de Nueva Cork - Bellini de Oro de Catania - Comendadeur de L’Ordre des Arts et des Lettres de Francia - Premio Canarias de la Bellas Artes - Premio de la Academia Francesa del Disco- Medalla de Oro del Gran Teatro del Liceo de Barcelona- Premio Unico Tito Schipa de Leche (Italia) - Fiorino de Oro de Florencia - Kammersänger de Viena - Premio Enrico Caruso de Italia - Chavalier del’Ordre National de la Legión d’Honneur de la República Francesa - Premio Príncipe de Asturias de las Bellas Artes (España) - Medalla de la Royal Opera House de Londres - Miembro de Honor de la Opera del Estado de Austria - Medalla de la Gran Orden del Mérito Militar con Distintivo Blanco (concedida por SS.MM. el Rey Don Juan Carlos I de España) - Gran Cruz de Honor de las Ciencias y las Artes de Austria - Premio Donizzetti de Bérgamo.
Además, el cantante lírico fue distinguido con diversos títulos Académicos y Universitarios, entre los cuales están el Sigillo Mágnum de la Universidad de Bologna (Italia)- Doctor Honoris Causa por la Universidad de la Laguna- Doctor Honoris Causa por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria- Director de la Cátedra de Canto de la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid (actualmente este Magisterio lleva el nombre del tenor).
Como honor inédito en la historia de un artista en activo el Auditorio de Las Palmas de Gran Canaria obtuvo el nombre Alfredo Kraus. Precisamente en este auditorio fue donde Kraus ofreció sus dos últimos conciertos los días 17 y 21 de marzo de 1999, invitado por Los Amigos Canarios de la Opera de Las Palmas de Gran Canaria. Quiso el destino que su carrera terminase donde había comenzado, en su tierra natal.
Tras el fallecimiento de Alfredo Kraus se rindieron numerosos homenajes a su persona. El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, por suscripción popular, erigió un monumento a su memoria: una estatua de cuatro metros realizada por el escultor Víctor Ochoa levantada en Los Jardines del Atlántico, situados justamente en el conjunto arquitectónico que rodea el Auditorio Alfredo Kraus. El prestigioso Festival de Opera de Las Palmas de Gran Canaria ha pasado a denominarse Festival Alfredo Kraus. La Federación Canaria de Natación ha creado el Memorial Alfredo Kraus dada la afición del tenor a esta disciplina deportiva. El Gran Teatro del Liceo de Barcelona y la Fundación Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria rindieron homenaje a su memoria con la celebración de varios conciertos en los que participaron alumnos de la Cátedra de Canto Alfredo Kraus de Madrid. Así mismo, el Teatro Real de Madrid y el Palau de Valencia, ofrecieron sendos conciertos homenaje al cantante. El Colegio de Ingenieros Técnicos Industriales, ha dedicado una placa conmemorativa al tenor por haber sido alumno suyo. En España, como en distintas partes de Europa y América, han surgido diferentes Asociaciones de Amigos de Alfredo Kraus que mantienen vivo el recuerdo y la admiración por la figura artística y humana de este intérprete único. Para conservar su legado cultural se ha creado la Fundación Internacional Alfredo Kraus.
Al tiempo que iniciaba sus estudios primarios en el Colegio Corazón de María de Las Palmas, comenzó a formar parte del coro infantil del citado centro educativo. Años más tarde alternó sus estudios superiores para obtener la graduación en Ingeniería Técnica Industrial con una completa preparación musical (lenguaje musical, piano y canto). Alfredo Kraus fue, además, un gran aficionado al deporte, especialmente a la natación, práctica que mantuvo durante toda su vida.
Sus estudios de canto comenzaron en su ciudad natal (Las Palmas de Gran Canaria) de la mano de Dª María Suárez Fiol. En Barcelona amplió estudios con la señora Gabi Marcoff. Seguidamente, en Valencia, con el Maestro Andrés y finalmente en 1955 estudiará en Milán con la prestigiosa cantante española Merecedes Llopart.
El 17 de enero de 1956 Kraus hace su debut en el Teatro Real del Cairo, con las representaciones de Rigoletto y Tosca. El 7 de octubre del mismo año contraerá matrimonio con Rosa Blanca Ley Bird, de cuya unión nacerán cuatro hijos: Rosa María, Alfredo, Patricia y Laura.
Con justicia puede decirse que fue a partir de este debut en El Cairo que Alfredo Kraus comenzó una carrera imparable que le convirtió en el mejor tenor lírico del mundo, dentro de su tesitura y de su selectivo repertorio italiano, francés y español, elegido con cuidadosa atención. Kraus ha sido indiscutiblemente considerado como el gran belcantista de su generación.
Cuando sus compromisos artísticos se lo permitían, el cantante impartió numerosas clases magistrales a lo largo de todo el mundo. Bajo su dirección dio comienzo la Cátedra de Canto de la Escuela de Música Reina Sofía de Madrid, que lleva hoy su nombre. También llevan su nombre la Cátedra de Canto del Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona, así como el Aula de Música de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.
Entre los títulos más representativos de la carrera del tenor Alfredo Kraus podemos destacar La Traviata, I Puritani, La Favorita, Lucía de Lammermoor, Rigoletto, Don Pascuale, La Sonámbula, Lucrecia Borgia, L’Elisir D’Amore, Les Pecheurs de Perles, Manon, Les Contes de’Hoffmann, Romeo et Juliette, La Fille du Règiment, Werther, Fausto, Marina o Doña Francisquita.
Así mismo, el tenor español fue protagonista de dos largometrajes: Gayarre, dedicado a la vida del célebre tenor navarro Julián Gayarre, y el film titulado El Vagabundo y la Estrella. Entre las muchas distinciones y premios de las que fue objeto, se encuentran:
Gran Cruz de la Orden de Alfonso X El Sabio - Encomienda de número de la Orden de Isabel La Católica - Medalla de Oro de la Bellas Artes - Comendatore de la República Italiana - Verdi de Oro de Parma - Premio Metropolitan Opera House de Nueva Cork - Bellini de Oro de Catania - Comendadeur de L’Ordre des Arts et des Lettres de Francia - Premio Canarias de la Bellas Artes - Premio de la Academia Francesa del Disco- Medalla de Oro del Gran Teatro del Liceo de Barcelona- Premio Unico Tito Schipa de Leche (Italia) - Fiorino de Oro de Florencia - Kammersänger de Viena - Premio Enrico Caruso de Italia - Chavalier del’Ordre National de la Legión d’Honneur de la República Francesa - Premio Príncipe de Asturias de las Bellas Artes (España) - Medalla de la Royal Opera House de Londres - Miembro de Honor de la Opera del Estado de Austria - Medalla de la Gran Orden del Mérito Militar con Distintivo Blanco (concedida por SS.MM. el Rey Don Juan Carlos I de España) - Gran Cruz de Honor de las Ciencias y las Artes de Austria - Premio Donizzetti de Bérgamo.
Además, el cantante lírico fue distinguido con diversos títulos Académicos y Universitarios, entre los cuales están el Sigillo Mágnum de la Universidad de Bologna (Italia)- Doctor Honoris Causa por la Universidad de la Laguna- Doctor Honoris Causa por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria- Director de la Cátedra de Canto de la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid (actualmente este Magisterio lleva el nombre del tenor).
Como honor inédito en la historia de un artista en activo el Auditorio de Las Palmas de Gran Canaria obtuvo el nombre Alfredo Kraus. Precisamente en este auditorio fue donde Kraus ofreció sus dos últimos conciertos los días 17 y 21 de marzo de 1999, invitado por Los Amigos Canarios de la Opera de Las Palmas de Gran Canaria. Quiso el destino que su carrera terminase donde había comenzado, en su tierra natal.
Tras el fallecimiento de Alfredo Kraus se rindieron numerosos homenajes a su persona. El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, por suscripción popular, erigió un monumento a su memoria: una estatua de cuatro metros realizada por el escultor Víctor Ochoa levantada en Los Jardines del Atlántico, situados justamente en el conjunto arquitectónico que rodea el Auditorio Alfredo Kraus. El prestigioso Festival de Opera de Las Palmas de Gran Canaria ha pasado a denominarse Festival Alfredo Kraus. La Federación Canaria de Natación ha creado el Memorial Alfredo Kraus dada la afición del tenor a esta disciplina deportiva. El Gran Teatro del Liceo de Barcelona y la Fundación Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria rindieron homenaje a su memoria con la celebración de varios conciertos en los que participaron alumnos de la Cátedra de Canto Alfredo Kraus de Madrid. Así mismo, el Teatro Real de Madrid y el Palau de Valencia, ofrecieron sendos conciertos homenaje al cantante. El Colegio de Ingenieros Técnicos Industriales, ha dedicado una placa conmemorativa al tenor por haber sido alumno suyo. En España, como en distintas partes de Europa y América, han surgido diferentes Asociaciones de Amigos de Alfredo Kraus que mantienen vivo el recuerdo y la admiración por la figura artística y humana de este intérprete único. Para conservar su legado cultural se ha creado la Fundación Internacional Alfredo Kraus.
lunes, 24 de mayo de 2010
FE DE ERRATAS
En el artìculo de TURANDOT en la 4 lìnea en vez de estrenò puse extreno, a la par de cometer el error imperdonable de poner en minùsculas el nombre GIUSSEPE ADAMI.
Si veis alguna màs que no es de extrañar, lo publicais.
GRACIAS.
Si veis alguna màs que no es de extrañar, lo publicais.
GRACIAS.
TURANDOT
Daros la bienvenida a lo que es o será mi blog, sobre música, ópera, vuestros comentarios harán parte y cuerpo de él, como titularlo?, era fácil, mi ópera preferida TURANDOT , de GIACOMMO PUCCINI, Una ópera magistral en tres actos,con libreto de giussepe adami y renato simone,en España se extrenò en el Liceo en diciembre de 1928, para mi, una de las mas romanticas, aunque el duelo en el segundo acto cuando turandot explica su comportamiento, una fase de agudos, que solo algunos elegidos la han interpretado magistralmente,en el tercer acto tenemos a calaf, el enamorado, cantando NESSUM DORMA, el enfrentamiento entre tenor y soprano, nos recuerda a lo que hizo Puccini en Tosca, el enfrentamiento entre Scarpia y Tosca.La historia romantica, la princesa se casarà con quien adivine tres acertijos, ahi está el aria "POPOLO DI PECHINO", todos los que fallen morirán al alba, el principe de persia , fallece al fallar,Timur rey de los tártaros llega a la ciudad bajo el aspecto de mendigo, le acompaña Liu,que le sirve de guia y mendiga por èl,quien le recoje al llegar a la ciudad no es otro que Calaf, principe de los tàrtaros.El verdugo Pu -tin-pao, llega cantando todo los horrores de sangre durante el reinado de TURANDOT, la princesa,.En el acto segundo, se ve como todos los ministros describen las penurias que pasan al ver morir jovenes principes por el capricho de la princesa,TURANDOT, aparece en escena y explica el porque su frialdad hacia sus pretendientes,"IN QUESTA REGGIA",una de sus antepasados fue violada y dejada a su muerte, ella con su actitud desea vengarla.Los tres acertijos son."¿QUE ES LO QUE FLAMEA COMO UNA LLAMA Y NO ES FUEGO,Y ARDE COMO LA FIEBRE Y SE ENFRIA ANTE LA MUERTE?el segundo es "¿QUIEN ES EL FANTASMA QUE CADA NOCHE NACE DE NUEVO EN EL HOMBRE Y MUERE CADA DIA?"y el tercero es"¿QUE ES LO QUE QUEMA COMO EL HIELO,Y CUANTO MAS FRIO ES, MAS QUEMA,obvio que la respuesta es TURANDOT, ella sonrie ante el triunfador, (DIMME IL MIO NOMME I AL ALBA MORIRO), ella acepta la apuesta, logicamente,ordena que habra pena de muerte a todo aquel que sepael nombre del principe y no lo diga,los soldados recorren toda la ciudad ahi es donde CALAF canta "NESSUM DORMA", en el acto tercero, tenemos en este acto un sacrificio por amor liu la amante callada de CALAF, muere en sus brazos por no decir su nombre,tras una larga conversacion, oimos a CALAF cantar"IO SON KALAF FIGLIO DI TIMUR", amanece en pekin, y en palacio suenan las trompetas....
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